Gaia Gentile si è ispirata alla poetessa dei Navigli Alda Merini, scomparsa il 1 novembre 2009, per scrivere Merimia, un monologo poetico che nasce e trabocca dall’interiorità di un’anima a colloquio con se stessa. «Un’anima» afferma la Gentile «che si racconta nel suo rapporto con gli altri e con Dio per scoprirsi folle d’amore, assolversi, imparare ad amarsi e a ritrovare la propria unità nella poesia».
Il testo, interpretato dall’attrice Patrizia Bernardini, è stato accompagnato da una miscela di musica e danza curata da Antonella Perazzo (coreografa e danzatrice), Giuseppe Camozzi (musiche e voce) e Piero Cardarelli (direzione musicale e arrangiamenti), in una serata evento, lunedì 20 maggio, sul palco del teatro Ambra alla Garbatella di Roma, dove tutte queste arti – poesia, musica dal vivo, danza e recitazione – si sono unite l’una nell’altra per fondersi nell’unico io del poeta, catapultando lo spettatore in uno spazio atemporale, amalgamandosi con la presenza liquida e pervasiva dei versi dell’autrice.
Non teatro parola alla Gaber-Luporini, né semplice accompagnamento di letture in pubblico e neanche versi in musica, ma poemusica – la definizione è dei due artisti, Gentile e Camozzi – usata per la loro prima collaborazione.
I versi della Gentile dialogano con quelli della Merini e partecipano alle continue metamorfosi del corpo dell’attrice, che innanzitutto è Merimia.
In questa atmosfera in bilico, in attesa, Merimia fa la sua entrata alla ricerca di una bambola di nome Piero. Piero e Merimia, figure che si intrecciano, si compenetrano e si confondono fino a fondersi in un’unica voce, un unico io, un’unica poesia. Entrambe tenute al guinzaglio, destinate ad amare nonostante tutto, ad aver bisogno del bisogno degli altri, guidate e mosse da altre mani, esse rappresentano se stesse semplicemente.
La coscienza di Merimia, che pensa e ancora non sa, si incontra con la conoscenza di Piero che sa, ma non può pensare. Tra le righe emerge così la dissoluzione di un io che non vuole capire, ma solo sentire, un io che lotta con Dio per sgretolarsi e ritrovarsi. L’io di Merimia si nascondeva nella poesia, nelle parole sussurrate, nelle note a lei dedicate che irrompono libere dalle gabbie, non più equilibriste traballanti, non più tormenti e abbandoni, non più folli evanescenze, ma rime capaci di lasciare il palco in una valigia, abbandonando l’uomo, gli uomini della sua vita, soli, indifesi e a cantare la sua assenza divenuta ormai presenza unica, unita nella sua Poesia. Sullo sfondo il Muro degli Angeli di Alda Merini, disegnato e ricostruito da una nuova donna che si fa domanda, mai risposta, unico testimone di un Verbo che non trasforma, ma crea la verità dell’anima di Merimia, in malattia, follia e vera poesia.
Merimia è dunque uno spettacolo emozionante nel quale la poetessa e regista Gaia Gentile unisce la rappresentazione caleidoscopica delle arti attorno al mito eterno della poesia, come fossero rifrazioni di un unico prisma. Poesia che non è né uomo né donna, ma una presenza altra e superiore, una concrezione assoluta.
Merimia è anche un testo che verrà pubblicato nel mese di giugno da Infinito Edizioni e che racchiude tutta l’essenza della performance, che permette di avvicinare il pubblico alle parole di una donna la cui vita è stata segnata dalla malattia mentale, ma anche di ritrovare quelle di un’artista di ieri e di oggi in grado di scavare in profondità nell’animo umano.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Ambra alla Garbatella
Piazza San Gioavanni da Triora, 15 – Roma
lunedì 20 maggio, ore 21.00
(durata 1 ora circa senza intervallo)

La Compagnia Acquari inseguiti da un Leone presenta
Merimia. Liberamente ispirato dall’anima tra le righe di Alda Merini attraverso la mia
regia e testo Gaia Gentile
da un’idea di Patrizia Bernardini
con Patrizia Bernardini
musiche e voce Giuseppe Camozzi
direzione musicale e arrangiamenti Piero Cardarelli
coreografie e danza Antonella Perazzo
costumi Antonella D’Orsi Massimo
scenografie Guglielmo Senepa
disegno luci Mauro Memmolo

L’introduzione di Mario Betti (direttore del Centro di Salute Mentale di Fornaci ma anche ottimo interprete della serata), che ha accolto il pubblico in sala, annuncia da subito quale sia la “destinazione” dello spettacolo, ossia la realizzazione “dell’esperienza psicoterapeutica e artistica [...] del Teatro della Trasformazione”.

La Compagnia Teatrale Papalagi, tuttavia, nata come evoluzione di una decennale attività in collaborazione con diversi Enti preposti alla “cura” psicofisica (dal centro diurno Tuiavii di Tiavea di Fornaci di Barga a quello di Salute Mentale della zona Valle del Serchio) porta oggi avanti “un percorso di svincolo dai canali istituzionali del servizio di salute mentale”, consapevole di come i propri lavori abbiano ormai maturato una valenza slegata alla mera funzione di “recupero”.

Infatti, Le voci della Metamorfosi, pur mantenendo intatta la finalità sociale tipica dell’esperienza teatrale (che va dalle prove alla messa in scena) di crescita (privata) attraverso l’interazione (pubblica), rappresenta un progetto ambizioso anche dal punto di vista prettamente artistico.

Ritenendo funesta (più che obsoleta) l’idea che un diversamente abile possa/debba approcciarsi al teatro solamente rendendo invisibile l’autenticità della propria condizione (ovvero trovando per la propria alterità una collocazione “credibile” rispetto alla decisione insindacabile di chi si fa metro di “normalità”), non si potrà che restare ammaliati dagli “episodi” portati sul palco del Teatro di Colombo dalla Compagnia Teatrale Papalagi e dal suo mentore, il regista/attore Satyamo Hernandez. A entrambi, infatti, potrebbe idealmente essere riconosciuta la cifra del teatro povero di Grotowski, la comune concezione secondo la quale il lavoro attorale e registico sarebbe essenzialmente un intimo percorso psicofisico (uno tra i possibili) capace di promuovere lo sviluppo dell’energheia (l’aristotelica capacità di attuare la “propria” forma) collettiva e individuale. Siamo, dunque, di fronte a un spettacolo che brilla in modo particolare proprio pensando al cammino della sua preparazione, a quelle prove che, pur dovendosi concludere necessariamente con un prodotto da sottoporre di volta in volta al “giudizio” del pubblico, costituisce il senso più profondo del viaggio che gli “attori” (della vita) compiono alla libera ricerca e/o al consolidamento della propria identità.

Nel caso di questo allestimento e della sua caratura artistica, a colpire particolarmente sono state la pertinenza delle scenografie e dei costumi (realizzati in parte dallo stesso cast), le musiche in new age style e, soprattutto, la padronanza scenica di interpreti in grado di non perdere mai la “direzione” narrativa. Quella “via maestra” imposta dal dover portare a termine una messa in scena (operazione affatto semplice) che – nonostante il rischio di un drammatico “smarrimento” costituito da momenti anche frenetici, dalla partita di calcio alla “scelta” di Prometeo – è stata tenuta con grande capacità di adattamento a quegli imprevisti che rappresentano intrinsecamente l’evento dello “stare sul palco” (della vita).

La trama dipana in successione e con ordine il “filo conduttore” di “esperienze intime e profonde [...] sentire la paura degli altri, la vergogna, la solitudine [...] sentirsi addosso l’incomprensione [...] e un incolmabile bisogno d’amore”, mostrandoci il volto di un destino caotico che accomuna tutti e che giunge significativamente al climax con la figura di Prometeo. Un caos, allo stesso tempo, intimo e scenico espresso con urla che sembrano uscire dalla coscienza dei personaggi (oppure dalla nostra?) e con voci sommesse ma assordanti che, provenendo dagli attori entrati in platea alle spalle del pubblico, sembrano volerci mettere di fronte all’evidenza di accuse che chiunque – magari in maniera “latente” – potrebbe aver vissuto («cercati un lavoro, non ti voglio vedere, fallito vai via, non vali niente!»). Continue incursioni oltre la quarta parete per ribadire, attraverso la sublimazione artistica, come la realtà sia fluida e che, nel suo scorrere, non sussista alcuna forma vitale cristallizzata.

Da parte sua, Prometeo, il titano cui la mitologia attribuisce il ruolo di benefattore dell’umanità, è rappresentato, al contrario, ingordo ed egoista, metafora di una individualità che non riesce a scegliersi e simbolo da cui liberarsi perché esempio di incoscienza e leggerezza (di ogni singolo nei confronti di se stesso e degli altri). Se il cerchio delle responsabilità non si esaurisce all’ambito personale ma lega – nel libero arbitrio – tutti i viventi, ecco che Prometeo posto di fronte all’aut aut tra inferno e paradiso (per sé e i suoi compagni), cercando di “avere tutto” finisce per creare nel proprio animo strazianti forze antitetiche (spirito apollineo o dionisiaco?) e le catene con le quali si lascia incatenare alle proprie non-decisioni.

Senza patire una tempistica drammaturgica disomogenea e iperlineare nella sua sequenzialità, lo spettacolo si offre potente nella forma e nei contenuti, facendo della necessità di dover seguire una linea narrativa forte e netta (scandita dalla evidente regolarità ritmica delle musiche dello stesso Hernandez) una virtuosa “bussola” capace di dirigere rettamente i propri interpreti (una compagnia, ricordiamo, mista nella sua composizione di “utenti ed operatori del centro di salute mentale, operatori teatrali ed altre persone”, di ben 17 membri tra attori e attrici) e di affermare un’idea positiva del cambiamento. Perché se la metamorfosi è l’unica modalità reale dell’essere libero al di là delle costrizioni imposte dall’esterno (lo “scarafaggio” Gregorio Samsa di kafkiana memoria) e dall’interno (Prometeo), allora essa va intesa come apertura autentica alla vita, affermazione palese del “potere” della diversità di sconfinare oltre le potenzialità umane, altrimenti limitate quando “costrette” all’omogeneità.

Un messaggio forse politically correct e non privo di sbavature, ma che grazie alla “gaia” sincerità dei suoi interpreti risulta straordinario.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Colombo
venerdì 17 maggio, ore 21.00
via comunale 30, Valdottavo, Borgo a Mozzano

Rassegna Teatro Impossibile
Le voci della metamorfosi: prove pubbliche di trasformazione artistica
ispirato al testo “La Metamorfosi” di F. Kafka
regia Satyamo Hernandez
scenografia e costumi il cast, Vera Scalia
musiche Satyamo Hernandez
luci e fonica Tiziano Gonnella, Abha Federica Mariano
con Vito Amidei, Enzo Aprili, Mario Betti, Sergio Bertoncini, Mariangela Biagioni, Ilaria Esposti, Massimo Forischi, Clelia Giovannini, Sandro Gonnella, Satyamo Hernandez, Anna Massaccesi, Moreno Mazzanti, Claudia Rossi, Alessandro Serra, Massimo Tazioli, Andrea Venturelli, Bruno Vitali

Il giovane tenore tedesco, al suo debutto al Maggio, ha convinto l’intero – seppur poco numeroso – pubblico, interpretando appassionatamente una oculata selezione di lieder di Robert Schumann, Franz Liszt, Hugo Wolf e Franz Schubert. I quattro compositori scelti da Prégardien hanno innegabilmente donato splendide pagine di musica a questo genere – forse le più belle – affidandosi per le parole a poeti del calibro di Heinrich Heine, Eduard Morike e Johann Wolfgang von Goethe e instaurando altresì con essi un rapporto quasi simbiotico, capace di donare alla musica grandi emozioni e sentimenti forti. Tutto ciò è assai evidente, ad esempio, nel Liederkreis op. 24 di Schumann, all’interno del quale è narrato un classico quanto struggente tema, proprio del Romanticismo: l’amore non corrisposto, che conduce alla disperazione, alla fuga e, infine, alla rinnovata quiete e serenità. Schumann rende la continuità del ciclo componendo l’intera raccolta tramite legami tonali e tematici, particolarmente evidenti soprattutto tra il primo e l’ultimo brano. Interessante, inoltre, il confronto che Prégardien mette in atto tra Schumann e Liszt, entrambi affidatisi ad Heine per le parole, proponendo la versione lisztiana di Morgens steh’ich auf und frage e Anfangs wollt’ich fast verzagen, subito dopo quella schumanniana. Come liedersita, Liszt si pone all’opposto di Schumann sia per l’eclettica scelta dei testi, sia per le soluzioni stilistiche adottate. Per lungo tempo il canzoniere di Liszt è stato oggetto di forti critiche le quali, fortunatamente, incominciano a lasciare spazio a una più che giustificata rivalutazione, che non può non fare i conti con una innegabile incisività del profilo melodico delle opere dell’artista.
Gli ultimi due compositori nell’intelligente programma del cantante sono anch’essi associati per opposizione: si tratta di Wolf – che grazie alle parole di Morike supera un problematico blocco creativo – e di Schubert – che, al contrario, è stata una vera e propria “macchina per comporre”. I Lieder del primo, troppo attaccati al verso, risultano forse meno incisivi e immediati, più laboriosi da fruire del secondo, che raggiunge un livello altissimo di tensione lirica e musicale nel meraviglioso Lied dell’immobilità Meeres Stille.
Julian Prégardien ha saputo destreggiarsi con rara grazia ed espressività nel suo complesso e niente affatto scontato programma, mostrando, a un pubblico rapito ed entusiasta, una voce corposa e matura ma anche flessibile e morbida, capace di assecondare le esigenze stilistiche ed espressive di musica e parole. Al suo fianco Michael Gees, pianista esperto e attento, con il quale è stato evidente, sin dalle prime note, un affiatato rapporto di totale fiducia reciproca. Speriamo di incontrare nuovamente e presto questi due eccellenti artisti in un Teatro del Maggio Musicale Fiorentino rinnovato.

Il concerto è andato in scena:
Teatro Goldoni
via di Santa Maria, 15 – Firenze

tenore Julian Prégardien
pianoforte Michael Gees

Robert Schumann
Liederkreis op. 24
su testi di Heinrich Heine
Franz Liszt
5 Lieder su testi di Heinrich Heine
Morgens steh’ich auf und frage, Im Rhein, Im schönen Strome,
Du bist wie eine Blume, Anfangs wollt’ich fast verzagen
Hugo Wolf
5 Lieder su testi di Eduard Mörike
Lied eines Verliebten, Der Tambour, Jägerlied, Lied vom Winde, Heimweh,
An die Geliebte
Franz Schubert
Auf der Bruck, Jägers Abendlied, An mein Herz, Du liebst mich nicht,
Der Zwerg, Meeres Stille, Auf dem Wasser zu singen, Im Abendrot,
Willkommen und Abschied

Gli spettacoli site-specific sono ideati, generalmente, per una particolare location, dove gli spettatori possono fruirli immergendosi in modo diverso e ampiamente partecipativo nell’esperienza teatrale. Uno tra gli esempi meglio riusciti, degli ultimi anni, è il caso di Susurrus – scritto e diretto da David Leddy per MilanOltre 2010, rappresentato al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano.

In questo caso, però, attingendo forse anche alla tradizione dello stationendrama e alle esperienze dei registi degli anni 70 – quali il miglior Ronconi del Laboratorio di Prato o il Missiroli di Tornate a Cristo con paura – Valentina Bischi ha proposto, nella cornice suggestiva dell’oasi di Massaciuccoli, una lettura drammatizzata che, persino nei contenuti – le lettere del nonno, un italiano, morto come troppi altri in Etiopia durante la Seconda guerra mondiale – si sposava perfettamente con l’occasione: dato che il Warka Festival è stato ideato per raccogliere fondi a favore di una comunità di bambini di strada di Hawassa – città a oltre 250 km da Addis Abeba. Un doppio, felice incontro, quindi, che ha permesso agli spettatori di seguire la Bischi in un percorso reale – tra i ricordi, veri, della sua famiglia, rievocati con pudore, lettera dopo lettera, dall’interprete.

La storia – del nonno di Valentina, così come di migliaia di altri italiani spediti dal Regime fascista a morire in Africa, in nome di un Impero da operetta che, però, era stato eretto anni prima a suon di gas tossici contro la popolazione civile – è quella di un uomo, un marito, un padre, che si ritrova in un inferno senza vie di fuga – come quel Sordi, anti-eroe nazionale, incolpevole e spaurito, di Detenuto in attesa di giudizio.

La Bischi sceglie di raccontare questa storia attraverso le lettere scritte di loro pugno dai nonni – un uomo e la sua donna, ancora giovani e innamorati, così come il grande Eastwood affida a questo mezzo l’umanizzazione dei soldati giapponesi a Iwo Jima – intercalando opportunamente la lettura scenica con passaggi drammatizzati – toccante e incisivo il flash sui rastrellamenti dopo l’attentato di via Rasella – oltre alla voce e alla chitarra di Gianpietro Di Rito che, non solamente scandisce la discesa agli inferi, ma crea un momento di riflessione commossa quando intona Ewedish Nebere di Tilahun Gessesse (cantante pop etiope famoso soprattutto negli anni 60). Di Rito – che solitamente è impegnato con Luigi D’Alessandro in un progetto musicale decisamente diverso: lo space-rock degli Elektronauti – conferma sia la sua vocazione per l’asciuttezza dell’esecuzione, sia un’impostazione minimal che, scarnificando le orchestrazioni della versione originale di Gessesse, valorizza ancora di più il ritmo e la voce – veri protagonisti anche dell’esibizione della Bischi. La collaborazione funziona quindi anche a livello strutturale, e i rimandi tra interprete e musicista hanno un loro valore aggiunto che non si esaurisce nel semplice accompagnamento della lettura scenica.

Lo spettacolo, essendo site-specific, si giova dell’ambientazione suggestiva e il viaggio a ritroso nel tempo è vissuto dagli spettatori percorrendo – fisicamente – un sentiero all’interno dell’oasi naturale, che si conclude in un capanno per l’osservazione degli uccelli – che rimanda immediatamente alle baracche dei soldati italiani in Africa. Luogo e tempo hanno perciò determinato la composizione e la fruizione della performance, rendendola sì affascinante ma limitandone alcuni sviluppi. Il primo, infatti, se ha supplito alla mancanza di scenografia e scenotecnica ha anche suggerito come il loro uso potrebbe rendere questo spettacolo altrettanto coinvolgente in ambienti anche molto diversi tra loro; mentre il secondo – ossia una manifestazione all’aperto intesa alla raccolta fondi e alla fruizione di molteplici iniziative – ha costretto l’interprete a condensare tutto il materiale a sua disposizione in pochi quadri – dotati di una loro coerenza e di una circolarità che ha reso l’esibizione comprensibile e completa, ma che potrebbero, in altre circostanze, aumentare di numero, con un cartiglio ancora più fitto tra i coniugi separati dalla guerra, e un numero maggiore di flash drammatizzati che rendano fisicamente visibile cosa stava succedendo in quegli anni sulle due sponde del Mediterraneo.

La compostezza dei bambini presenti e la commozione del pubblico sono la migliore testimonianza di un progetto felicemente riuscito, che speriamo abbia gambe lunghe.

Lo spettacolo ha avuto luogo:
Oasi Lipu di Montecuccoli
domenica 19 maggio, vari orariù

Lettere dall’Etiopia
scritto, diretto e interpretato da Valentina Bischi
voce e chitarra Gianpietro Di Rito
Per chi volesse ascoltare Ewedish Nebere in una versione originale degli anni 50: http://www.youtube.com/watch?v=FBXDWHP20Ys.

Scenografia moderna e minimale per uno spettacolo dall’alto tasso emozionale è quello che riserva il Don Chisciotte rivisitato da Franco Branciaroli in un Teatro Santa Chiara stipato per la speciale occasione. Guai, però, a chi pensasse a una semplice riproposizione del romanzo di Cervantes: nell’ora e mezza di monologo, a tratti corrosivo, in alcuni passi divertente, ma sempre raffinato, l’attore ci conduce per mano sul palcoscenico mentr’egli si divide (fatica improba, ma risultato eccellente) tra Vittorio Gassman, dalla voce possente e ruvida, e un Carmelo Bene più estroso, un “doppio” che cattura lo spettatore fino alla fine, come due facce della stessa medaglia. Lui, Branciaroli, rimane però sempre “nell’al di là”, non solo perché i due protagonisti a cui dà voce sono defunti da diversi anni, ma anche per farci assaporare la diversità dei tempi e degli spazi tra la Terra e le vette dell’eternità. È un continuo battibecco, un saliscendi mentale quello che oppone un Gassman che a sua volta assume le sembianze di Don Chisciotte, intento a combattere contro i mulini a vento, e un Bene nei panni di Sancho Panza, sempre proteso a stare con i piedi per terra e richiamare il condottiero a più ragionevoli comportamenti. «Cervantes, con il suo romanzo, il primo dell’epoca moderna e Cartesio cambiarono la mentalità del tempo». Straordinariamente efficace, quasi come un “cuscinetto” tra la prima e la seconda parte della diatriba tra Gassman e Bene, è la recitazione del Canto V della Divina Commedia, con Branciaroli che fa alternare i due attori nel declamare i versi e un Dante che, sicuro fino in fondo, asserisce, tra i due, di preferire… Albertazzi nella veste di dantista, ripagato con la stessa moneta da Gassman: «Ah, Petrarca, che poeta, altro che il fiorentino…». A seguire, il ritorno al tema iniziale, con il Don Chisciotte, libro nel quale i protagonisti diventano lettori di se stessi, come se si vedessero dal di fuori, e le due maschere di scena rappresentate da Branciaroli assumono la loro funzione peculiare: dare forma all’Hidalgo e al suo fido aiutante, che altri non sono se non un unico, medesimo eroe, visto dai due lati. Un unicum che la nostra mente vede doppio. Applausi meritati, alla fine, per uno spettacolo dall’elevata qualità.

Lo spettacolo continua:
Teatro Santa Chiara
Contrada Santa Chiara, 50/a – Brescia
fino a venerdì 24 maggio
orari: da martedì a sabato ore 20.30, domenica ore 15.30

Don Chisciotte
di Miguel de Cervantes
progetto e regia Franco Branciaroli
con Franco Branciaroli
scena Margherita Palli
luci Gigi Saccomandi
costumi Caterina Lucchiari
musiche Daniele D’Angelo

http://www.ctbteatrostabile.it

«Era una notte buia dello Stato italiano, quella del 9 maggio ’78, la notte di via Caetani, del corpo di Aldo Moro, l’alba dei funerali di uno Stato». Inizia così il brano I cento passi, portata al successo dai Modena City Ramblers qualche anno fa. Quella canzone fresca, carica di entusiasmo e di allegria è diventata il ritornello da canticchiare a ogni ricorrenza del 9 maggio. Con i suoi pochi versi, puntuali ed espressivi, fissa nella memoria i fatti che accaddero in una sola terribile notte, in cui il ritrovamento di due corpi straziati portò allo scoperto, davanti all’opinione pubblica, lo stato d’assedio in cui si trovava l’Italia, stretta nella morsa della mafia, da un lato, e della politica stragista dall’altro. Quella notte, il corpo di Peppino Impastato, il ragazzo di Cinisi che combatteva la mafia a cento passi da casa sua, fu fatto saltare e ridotto a brandelli per tacitarne la scomoda ribellione. Qualche centinaio di chilometri più a nord, un altro corpo, quello di Aldo Moro, dopo cinquantacinque giorni di prigionia, veniva fatto ritrovare dalle Brigate Rosse in via Caetani a Roma, ucciso a colpi di arma da fuoco e riverso nel bagagliaio di una Renault 4, a pochi passi dalla sede della Democrazia Cristiana e del Partito Comunista.
Nella rilettura di Mauro Monni, Aldo Moro diventa un personaggio di Shakespeare, si riveste dei panni di Riccardo III e vive in una grandiosa solitudine, abbandonato dai suoi più stretti collaboratori. Lo schianto dell’amarezza è tanto più doloroso, quanto più in vita si è stati portati in alto e Aldo Moro, il presidente, in vita era una persona che contava, forse troppo, e che sapeva troppo, «sapeva tutto di tutti» come ricorda la vedova Eleonora. Il re, fatto prigioniero dal popolo, viene sottoposto a un processo surreale e iniquo, mosso non dallo spirito di una giustizia uguale per tutti, ma dalla volontà di “punirne uno per educarne cento”. Il terrore, a quel punto, non è più il nome astratto di una strategia perversa, ma un sentimento palpabile e concreto nelle parole del Re, prima spaventate, poi arrabbiate, infine attaccate al filo di speranza intrecciato da un’incipiente sindrome di Stoccolma. Monni si sofferma sulle riflessioni dei terroristi, poi su quelle dei componenti della Dc, infine su quelle terribili e accusatorie di Moro, dei singulti di un animale in gabbia che capisce di non avere più nulla da perdere. Ai momenti intimistici, Monni affianca incursioni storiche sulla condizione politica e sociale di quegli anni, ricostruendo il contesto secondo un’ottica complottista che accredita le verosimili tesi di un coinvolgimento istituzionale e internazionale nel caso Moro. Con delicatezza e senza insinuazioni qualunquiste, il monologo di Monni ripercorre quel periodo di tensione e sotterfugi, la prima vera lunga notte della Repubblica Italiana.
Solo, solo, solo, tre volte abbandonato dai colleghi, dalla giustizia, dai carcerieri, sua ultima fonte di salvezza. Tre volte rinnegato, come quel Cristo al quale Moro per tutta la vita si era ispirato e aveva continuato a pregare, nonostante, come gli ricordava Giulio Andreotti, non gli rispondesse.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Millelire
via Ruggero di Lauria, 22 – Roma
lunedì 13 maggio, ore 21.00
(durata 1 ora circa)

La solitudine del Re. I 55 giorni di Aldo Moro nella prigione del popolo
da un’idea di Giacomo Andrico
ccritto, diretto e interpretato da Mauro Monni

Allegoria universale o tragedia personale? Le opere di Shakespeare, come è noto, si prestano a molteplici interpretazioni e, nel caso de La Tempesta, a suscitare – non solo tra gli estimatori – particolare curiosità è l’interpretazione secondo la quale Prospero sarebbe l’alter ego dell’autore e l’opera ne costituirebbe, di conseguenza, una sorta di testamento culturale e spirituale. Una leggenda corroborata, oltre che da numerosi rimandi al testo, in particolar modo dal celebre finale con il parallelismo tra l’abbandono dell’isola da parte di re Prospero che, al termine della tempesta – intesa come evento di provvida sventura (non a caso antitetico al significato del nome del suo artefice, “prospero”, “propizio”, “fortunato”) – decide di tornare a casa, e la fine della carriera autorale di Shakespeare segnata proprio da La Tempesta (salvo due opere decisamente minori, una scritta certamente e l’altra probabilmente con John Fletcher, tra il 1612 e il 13).

Per questa Miranda è lo stesso Koršunovas – nel generoso incontro a margine di questa prima – a fornirne la (principale) chiave di lettura, svelando anche la motivazione della sostituzione del titolo tradizionale con il nome della sua (unica) presenza femminile.  Ribadendo quanto affermato in numerose dichiarazioni, infatti, secondo il regista lituano il protagonismo di Miranda sarebbe polisemantico in quanto capace di spaziare dall’essere “semplice” funzione per la conoscenza di Prospero (mago emarginato e signore degli spiriti della natura, artista/demiurgo della propria opera d’arte/Miranda, ma soprattutto reietto essere umano che accetta il ritorno a casa a patto che tutto – la restituzione del potere temporale – torni come prima) all’essere fattore intrinsecamente strutturale per una approfondita riflessione sul rapporto tra potere e sapere, per una sorta di metaforica microfisica.
Visto in quest’ottica, il romance costituirebbe, quindi, lo sviluppo di un attento e concreto esame della questione delle “responsabilità” umane (sia politiche che individuali) nei confronti di un “mondo” nel quale chi fa cultura porterebbe (in maniera drammaticamente “scontata”) il fardello di una scelta radicale: accettare il rischio dell’isola(mento) o quello di una “contaminazione” figlia del compromesso?

Una drammaturgia che sviluppa, tra l’altro, con coerenza e determinazione analisi sfaccettate (ma convergenti) sulla questione fondamentale del teatro (la restituzione simbolica e visuale della vita attraverso l’espressione scenica della sua stessa “vitalità”), nonostante – in questo senso – alcune scelte appaiano discutibili, e sebbene – pur essendo relative a dettagli non trascurabili – non invalidino la complessiva buon riuscita della rappresentazione.

Infatti, Miranda, come I Bassifondi (leggi la recensione), si lascia ammirare per quelli che abbiamo individuato essere gli aspetti più interessanti dell’attuale ricerca di Koršunovas, ovvero una capacità unica di affrontare interrogativi nei loro aspetti tanto ideali quanto reali e un talento mirabile nel sapere creare “comunità” in sala attraverso la “marginalizzazione” (non nel senso di sottovalutazione) degli aspetti ideologici e “cognitivi” dell’esperienza teatrale a favore di quelli “sensoriali”.

Opera di commiato del bardo inglese, composizione conforme alle tre unità del dramma classico, esemplare costruzione meta-teatrale («gli attori sono come spiriti», sentenzierà saggio, ma fiacco, Prospero sul finire della pièce), quello che si impone e convince maggiormente è l’aspetto di più complessa realizzazione. Ottima, difatti, la resa visiva e semantica di quella fantastica contaminazione di sogno e realtà (rappresentate dall’ambiguità con la quale i due interpreti – Eugenijus Sabaliauskas e Ignas Meilūnas – personificano i vari personaggi e da un eccezionale utilizzo della tecnologia, delle luci e dei suoni) che, spesso e purtroppo, costituisce il principale punto debole delle rappresentazioni tratte dalle opere del bardo. Una dimensione che nella Miranda di Koršunovas si dispiega – potente ed efficace – con una padronanza del “mezzo” drammaturgico tale da accompagnare gli spettatori, con sapiente equilibro, in quella “penombra” tra veglia e sonno da cui i personaggi in scena, abitanti onirici delle oscure pieghe della psiche, sembrano fuoriuscire.

Il regista lituano ben realizza, dunque, un progetto ambizioso, al cui interno vanno segnalate le convincenti prove attorali e il magistrale “dosaggio” registico della componente metateatrale shakespeariana, due elementi declinati nel contesto – credibilmente contemporaneo – “disegnato” dalla scenografia di Dainius Liškevičius. Quella che era l’isola del classico Prospero diventa, nella sua “forma” attuale, con compiuta contestualizzazione, un piccolo appartamento “ammobiliato” (una tv in bianco e nero, una vecchia radio malfunzionante e, soprattutto, una libreria stracolma a ricordarci l’isolamento “dorato” cui era stato confinato quel Prospero che, nella autoreferenziale impostazione registica di Miranda, viene descritto dissidente rispetto al potere dominante). Un espediente scenico riuscito e capace di enfatizzare il fatto che, se in tempo di totalitarismi il confino era reale (le isole dei deportati dall’area sovietica), oggi il mercato e il pensiero unico (economico/finanziario) sembrano costituire – per i “non allineati” all’ortodossia dell’essere consumatori globali – uno spazio coercitivo e isolante ancor più escludente, in virtù di quella “libera concorrenza” che degrada ogni produzione (culturale e non) al valore di consumo.

Di questo imponente ma “semplice” quadro ideologico, Miranda è un affresco convincente e ben strutturato all’interno di una ideale ringkomposition: il riferimento (iniziale e finale) a quel Lago dei Cigni che- attraverso la sua massiccia trasmissione a “reti unificate” – veniva mediaticamente utilizzato dal regime sovietico nei momenti di crisi per impedire che la contestazione e la consapevolezza potessero giungere al “popolo” (la cui coscienza veniva così sterilizzata dalle note del balletto musicato da Pëtr Il’ič Čajkovskij in maniera analoga a quanto accade ne La fattoria degli animali di George Orwell).

Un quadro – la cui lettura risulta a tratti (purtroppo) didascalica e la cui efficacia è intaccata solamente (per forza di cose) dall’incomprensibilità linguistica (non sempre adeguati i sottotitoli) e dalla eventuale non conoscenza della storia originale – rispetto al quale la pur sicura direzione di Koršunovas non è stata, essa stessa, esente da pecche, come nel caso della sorprendentemente “rudimentale” costruzione dei personaggi chiave di Calibano e Ferdinando: il primo risulta “stancante” e monotono nella sua resa vocale e “relazionale” (nei confronti di Miranda), nonostante Eugenijus Sabaliauskas riesca a ben “riprodurne” movenze e fattezze; il secondo, posto in assoluto contrasto con l’umore della derelitta amata e – per questo – completamente privato di ogni aspetto drammatico, sembra – inutilmente – sconfinante nella parodia di quello che vorrebbe rappresentare, ossia l’evento che “completa” Miranda/opera d’arte, dandole il coraggio e la coscienza necessari per affrontare quel mondo che, fino ad allora, aveva vissuto sotto forma di possesso e nella sottomissione a Prospero/intellettuale. Momento catartico e rivoluzionario che svelerebbe il senso profondo (forse non completamente traducibile dal punto di vista razionale, ma magnificamente “visibile) della “magia” del teatro.

Sfumature di grigio per uno spettacolo capace di ambire, sfiorandola in alcuni momenti (come nel caso della prima apparizione di Ariel e di alcuni passaggi di scena e cambi di personaggio), all’eccellenza.

Lo spettacolo è andato in scena
Teatro del Giglio
piazza del Giglio, 13/15 – Lucca
Domenica 12 Maggio 2013 ore 16.00

PRIMA NAZIONALE
Miranda
Da La tempesta di William Shakespeare
Spettacolo fuori abbonamento

Regia Oskaras Koršunovas
Scene Dainius Liškevičius
Costumi Aleksandras Pogrebnojus
Composizione musicale Antanas Jasenka
Disegno luci Eugenijus Sabaliauskas
Disegno suono Ignas Meilūnas
Scultore figura danzatrice Donatas Jankauskas
Interpreti Povilas Budrys, Airida Gintautaite
Produzione OKT – Vilnius City Theatre / Lituania

Robe dell’altro mondo – questo il titolo – è uno spettacolo oltremodo singolare. Innanzi tutto, possiede una struttura circolare e, sebbene le varie sequenze-quadri sembrino scollegate l’una dall’altra, ognuna è indispensabile per il compimento del finale e per lo sviluppo delle successive. L’utilizzo di flashback e flashforward – che caratterizza la drammaturgia dell’opera – rimanda sia al cinema, sia al fumetto – universo linguistico che, nello spettacolo, è altresì presente grazie alla figura dei Super Eroi, nello specifico alieni, tipici del genere cartoon. Gli interpreti, inoltre, celati da maschere di plastica che ne immobilizzano le espressioni, si riducono a corpi e voci e i loro stessi gesti sono percepiti dal pubblico quali parodie fumettistiche della realtà.

La storia è semplice – persino banale: in un mondo provato da una profonda crisi socio-economica, l’unica speranza di salvezza è rappresentata dagli alieni – extra-terrestri dalle mutevoli sembianze giunti sulla Terra per risolvere i problemi dell’umanità. La voce off dei notiziari è veicolo di manipolazione dell’informazione sulla loro presunta presenza sul nostro pianeta. L’obiettivo è influenzare l’opinione pubblica degli umani creando, prima, una spropositata fiducia in tali esseri e, poi, una sorta di terrore collettivo. Un po’ come avvenne, non molto tempo fa, con l’allarme Rom e l’allarme sicurezza. Il meccanismo di controllo della comunicazione era ed è sempre lo stesso.

Robe dell’altro mondo è il primo spettacolo di una trilogia che sarà in scena all’Out Off fino al 26 maggio. Il finale surreale e spiazzante di un orso bianco seduto con il Papa non può che portare lo spettatore a prenotarsi per Sul confine, il prossimo spettacolo – sempre produzione di Carrozzeria Orfeo.

Lo spettacolo va in scena:
Teatro Out Off
via Mah Mahon, 16 – Milano
fino a domenica 19 maggio

Carrozzeria Orfeo presenta:
Robe dell’altro mondo
drammaturgia Gabriele Di Luca
regia Alessandro Tedeschi, Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti e Roberto Capaldo
con Gabriele Di Luca, Giulia Maulucci, Massimiliano Setti e Roberto Capaldo
musiche originali Massimiliano Setti
luci Diego Sacchi
costumi Nicole Marsano e Giovanni Ferrara

Il mese di maggio segna l’avvio della seconda parte del cartellone del CRT, volutamente suddiviso in due sezioni (la prima presentata tra ottobre e dicembre del 2012) per non ostacolare il riassetto organizzativo dello storico Centro di Ricerca per il Teatro milanese.

Tra le interessanti ed eclettiche opere in programma vi è Pas d’Hospitalité, suggestiva e delicata piéce scritta e interpretata da Laura Graziosi. La giovane e bravissima attrice trae diretta ispirazione dalla vita quotidiana che la circonda e racconta la storia di una donna dolce e solitaria, ma alla disperata ricerca di qualcuno con cui condividere pensieri, opinioni e interessi: in una parola, il proprio tempo.

In preda a questo bisogno impellente, la protagonista si dedica con anima e corpo alla preparazione di una cena ricchissima e abbondante, in grado di far impallidire Lucullo in persona, organizzata per onorare i quattro ospiti attesi dalla giovane donna. Un’attenta e meticolosa apparecchiatura della tavola “chiude” i preparativi: ora non rimane che aspettare l’arrivo degli invitati. Per ingannare l’attesa, la ragazza inizia a parlare di sé, lasciando emergere una profonda solitudine, colmata dalla presenza di amicizie immaginarie e “voci” che dispensano di volta in volta consigli e rimproveri.

Tutta l’opera si impernia su un fortissimo senso di attesa, in cui si innestano la vivacità e la fragilità emotiva della protagonista, per la quale non si può non provare tenerezza. L’impazienza della ragazza, che cresce man mano che aumenta il ritardo dei suoi invitati, viene resa perfettamente dall’iperattività della giovane donna, ora intenta a sistemare meglio la tavola, ora impegnata in piccoli balletti che mimano la dolcezza di un abbraccio.

Laura Graziosi dà così vita a una performance dinamica ed emotivamente coinvolgente, senza tralasciare di connotare la sua “creatura” di una profondità contorta e disarmante, resa in modo spontaneo e limpido.

Ciò che il pubblico può ammirare al centro di una scena quasi completamente nera – a eccezione delle uniche note bianche che la punteggiano, i piatti da portata e le sedie – è un’anima “nuda”, privata di ogni filtro protettivo, di ogni scudo a difesa di un’intimità ricca e desolata allo stesso tempo, che pian piano “scende a patti” con la sua condizione, col suo sentirsi una straniera nella propria casa, e ne prende pienamente coscienza. Finalmente consapevole della sua dimensione “assoluta”, avulsa da qualsiasi legame umano, la protagonista può ora liberamente esprimere se stessa. E festeggiare.

Lo spettacolo continua:
CRT Salone
Via Ulisse Dini, 7 – Milano
fino a domenica 19 maggio
Orari: da martedì a domenica ore 20.30

Pas d’Hospitalité
di e con Laura Graziosi

Il Novecento è di casa al Teatro dal Verme: infatti, oltre ad autori ormai storici quali Ravel e Copland – che pure hanno dato un contributo assolutamente determinante a questo secolo, ciascuno a suo modo – si ha finalmente la possibilità di assistere all’esecuzione di un brano davvero contemporaneo – datato 2004 – di Dall’Ongaro.
Ma procediamo con ordine e, cioè, con Quiet city e Music for the Theatre di Aaron Copland. Del primo brano va segnalata assolutamente la tromba di Sergio Casesi – che ha dato un’ottima prova solistica e che si spartiva la scena con il corno inglese di Domenico Lamacchia, a tratti sopraffatto dagli archi e dalla tromba stessa. Va ricordato, del resto, che proprio come tipologia il suono di questo strumento non ha una potenza paragonabile agli ottoni o ad altri legni – ma, pur tenendo conto di ciò, talvolta se ne è sentita la mancanza. Di tutt’altro genere, Music for the Theatre – dove, il richiamo al jazz e ad autori quali Milhaud e Poulenc, a tratti, emerge in modo decisivo: una musica viva, che rispecchia in modo magistrale il suo tempo e che Faycal Karoui dirige con cognizione di causa.
Ma la vera star della serata è comunque Maurizio Baglini – per il quale l’attesa è accresciuta anche dall’inversione di programma che, all’ultimo momento, lo ha lasciato come ascolto finale.
La Primavera per pianoforte e orchestra d’archi di Dall’Ongaro sono cinque minuti di musica in cui solista e orchestra si rincorrono in un vortice di pizzicati e staccati continui, passandosi il testimone di melodie e formule ritmiche che ricorrono e danno alla composizione una grande compattezza. Di sicuro emerge la difficoltà della parte pianistica, che Baglini affronta con sicurezza e grande disinvoltura. Un ottimo “riscaldamento”, quindi, per affrontare poi con agio il Concerto in sol per pianoforte e orchestra di Ravel. Anche quest’ultimo è un brano in cui riecheggiano melodie jazz, ma dove, allo stesso tempo, si rileva un altissimo livello di poesia – che Baglini interpreta con grande eleganza. Il suono è davvero molto bello, sempre adatto e il contatto con l’orchestra è oltremodo ricercato.
Un’esecuzione di grande charme ma anche di grande consapevolezza, che lascia pienamente soddisfatti. A seguire, due bis che confermano le capacità timbriche, tecniche e stilistiche di questo giovane pianista.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Dal Verme
via S. Giovanni sul Muro, 2 – Milano
giovedì 9 maggio, ore 21.00

Copland Quiet city e Music for the Theatre
Dall’Ongaro La Primavera, per pianoforte e orchestra d’archi
Ravel Concerto in sol per pianoforte e orchestra

direttore Faycal Karoui
pianista Maurizio Baglini
orchestra I Pomeriggi Musicali

Al Teatro Sala Fontana è in corso una rassegna di opere dirette ed interpretate da tre talentuose protagoniste della scena italiana, presentate al pubblico con l’eloquente titolo di Singolare femminile. In realtà il primo appuntamento della serie narra di una morte violenta in una delle “zone calde” del pianeta, un dramma universale, a prescindere dal sesso.  Il monologo Rachel Corrie ripercorre le vicende biografiche di una ragazza americana di soli 23 anni, deceduta il 16 marzo 2003 schiacciata da un bulldozer dell’esercito israeliano incaricato di distruggere alcune case palestinesi.
Il tragico modo in cui una cittadina americaba ha perso la vita – secondo i racconti dei testimoni, chi era al volante del mezzo sicuramente si è accorto sia della sua presenza sia di averla investita – ha attirato per giorni l’attenzione dei media. I giornalisti scavano nella vita di questa giovane giunta da poche settimane a Rafa, nella striscia di Gaza, per lavorare con il Movimento di Solidarietà Internazionale, scoprendo un ricco scambio di e-mail con la madre cui confida le proprie riflessioni sul conflitto, i fatti che accadono, l’ospitalità di una popolazione allo stremo delle risorse e la paura quotidiana.
Il monologo non è altro che una selezione degli scritti di Rachel dai 12 anni ai momenti di poco precedenti la morte, fiduciosamente affidati dai genitori ai britannici Katherine Viner, giornalista, ed Alan Rickman, attore e regista, affinché li componessero dando vita alla pièce teatrale che tanti consensi ha riscosso tra critici e pubblico. Indubbiamente la giovane Corrie aveva talento per la scrittura, affidando alla penna ogni sua riflessione ed avvenimento, dalla convivenza con una studentessa disordinata al college, all’affetto per il vecchio gatto, dall’elenco delle cose da organizzare per il viaggio alle accese discussioni epistolari con la madre che non si rende conto sino in fondo della situazione in cui viva il popolo palestinese. Le parole di Rachel squarciano il velo teso da Israele ed i suoi alleati sulle misere condizioni in cui vengono relegati i loro avversari, distruggendo le serre, bloccando i rifornimenti idrici, stoccando le merci alla dogana sino al loro imputridimento, riducendo sempre più le fonti di sostentamento e deliberatamente  contravvenendo alle norme umanitarie di base. Le parole, recitate con grande trasporto da Cristina Spina, ci restituiscono il ritratto di una persona curiosa del mondo e dei propri simili, appassionata di viaggi poiché le permettono di venire in contatto con realtà così dissimili da Olimpia, la cittadina in cui è nata e cresciuta: a questa sete di conoscenza, durante l’esperienza palestinese, si aggiunge anche il bisogno disperato di divulgare  in patria gli orrori perpetrati da Israele con la complicità degli Stati Uniti, suo principale alleato. Rachel è terrorizzata dalla distruzione che la circonda,  allibita davanti ad uno degli eserciti più organizzati del mondo che si accanisce su operatori volontari e padri di famiglia armati solamente di reperti bellici, non si risparmia neppure nel biasimare le azioni di Hamas seppur riconosca quanto il disagio sociale possa alimentare le azioni di tale organizzazione.
SI offre al pubblico uno sguardo maturo sui fatti, nonostante la giovane età anagrafica; un gesto di accusa pesante verso gli artefici di questo conflitto perenne, un tributo ad un talento della scrittura assurta a simbolo dei tanti volontari caduti. Simbolica appare anche la scenografia con i blocchi sospesi a mezz’aria come le parti di un’abitazione fatta saltare in aria mentre a terra la mappa dei Territori contesi ci rimanda ai reportage dei giornali.
Consigliato a chi crede ancora che la forza degli ideali possa fermare le guerre.

Teatro Sala Fontana
via Boltraffio 21– Milano
fino a giovedì 16  maggio
orario spettacolo 20.30
www.teatrosalafontana.it

Alessandro Lendvai per Suite srl in collaborazione con PAV
Rachel Corrie
progetto di e con Cristina Spina
regia  Alessandro Fabrizi e Cristina Spina
scena  Paola Gandolfi
musiche originali Riccardo Giagni
disegno luci  Hossein Taheri

www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=7wXlktHla20

La rassegna continua:
Singolare femminile

Patrizia Aroldi
Opinioni di una clownessa
da sabato 18 a martedì 21 maggio

Afra Crudo
L’ultima madre
da giovedì 23 a sabato 25 maggio

Alcune personalità riescono ad incarnare in maniera esemplare lo spirito del tempo in cui vivono, rendendosene testimonianza storica nel corso dei secoli avvenire; questa prerogativa è specifica dei più grandi artisti, che attraverso la loro opera immortalano un determinato contesto sociale documentandolo attraverso le loro narrazioni o rappresentazioni. Poi ci sono artisti che riescono in questa impresa non solo attraverso il prodotto della loro creazione artistica, ma persino attraverso il loro stesso stile di vita, che diviene emblematico e indicativo di una sensibilità collettiva. Fare della propria vita un’opera d’arte, e perciò riuscire a esprimere un immaginario attraverso il proprio comportamento e le proprie attitudini, era tipico di una generazione di artisti vissuti a cavallo tra l’Ottocento e il Novecento, nella fase di massima espansione della modernità industriale, quando le maggiori capitali europee scoprivano il fascino irresistibile della moda e il mondo dell’alta società borghese. Ci riferiamo all’epoca della diffusione e dell’affermazione della figura del dandy, espressione quanto mai efficace dell’epoca in questione; tra questi artisti, uno dei nomi che spicca sia per i suoi costumi alternativi e persino scandalosi per l’epoca, sia per la sua produzione letteraria, è quello di Oscar Wilde. Nato nel 1854 a Dublino, Wilde condusse una vita complicata, arrivando persino a pagare con la prigionia i suoi ambigui gusti sessuali; d’altronde, il buon costume e l’ipocrisia della società londinese e di quella parigina furono scardinate dal genio di Wilde, eccessivo nei modi e rapace nei giudizi. Divennero immortali i suoi modi sferzanti, la sua impertinenza in grado di mettere a nudo le storture e la povertà di spirito dell’epoca, ancora per molti versi chiusa nel bigottismo della tradizione cattolica, e i suoi aforismi e pensieri sono ciniche lame di metallo che ancora oggi scalfiscono il pensiero comune; tutto questo si riflette anche nella straordinaria produzione letteraria di Wilde, specie nella sua produzione teatrale, che ha regalato alla modernità alcuni capolavori tra i quali Un marito ideale, pièce portata in scena dalla Compagnia Lavia Anagni al Teatro Quirino fino al 19 maggio, per la regia di Roberto Valerio. Spettacolo di ottima qualità, straordinari i costumi e la scenografia, tutti fattori che riescono a rendere meravigliosamente l’essenza dell’Età Vittoriana, le sue contraddizioni, ma anche la sua magia prosaica. Quanto Wilde fosse consapevole dei principi dell’età in cui viveva lo rivela l’attenzione nei confronti dei temi centrali dei salotti londinesi, primo fra tutti il rapporto tra successo politico e corruzione, tra ambizione personale e dovere morale nei confronti della collettività, cardine di quest’opera. Due splendide Valentina Sperlì e Chiara Degani danno vita a un universo femminile di incredibile attualità, come di grande attualità è tutto il nucleo narrativo, e anche gli attori maschili, Roberto Valerio e Pietro Bontempo si rivelano perfetti interpreti del mondo wildiano. Soprattutto il secondo, il visconte Goring, chiaro alter ego dello stesso Wilde, che parla attraverso i suoi aforismi e folleggia sul palco quasi fosse uno spiritello istrionico che trova le soluzioni ai problemi senza mai rinunciare a tutto il suo stile dandy, votato alla vanità e all’apparenza. Il risultato è uno spettacolo tanto divertente quanto profondo per contenuti, con un’ottima messa in scena e una recitazione partecipata e vibrante; da segnalare il simpatico prologo dello spettacolo, che ci proietta nel passato della Londra vittoriana in maniera esplicita, dato che gli attori si prestano a un reverse come se assistessimo al riavvolgimento di una vecchia pellicola.

Lo spettacolo continua:
Teatro Quirino
via delle Vergini, 7 – Roma
fino a domenica 19 maggio
orari: da martedì a venerdì ore 20.45, sabato 18 maggio ore 16.45 e 20.45, domenica 19 maggio ore 16.45

Compagnia Lavia Anagni presenta
Un marito ideale
di Oscar Wilde
regia Roberto Valerio
con Valentina Sperlì, Roberto Valerio, Pietro Bontempo, Alarico Salaroli, Chiara Degani, Luca Damiani

Il bando è aperto a compagnie italiane e straniere, purché aventi la maggiore età, scadenza 10-06-2013.

• Bando in italiano
• Bando in inglese

Ulteriori informazioni sul sito ufficiale.

L’Associazione culturale Venti d’Arte promuove ed organizza la prima edizione del festival di Arte Contemporanea “In contemporanea….Porcari”, a cura di Lucia Morelli e Nicola Salotti in collaborazione con la storica dell’arte Riccarda Bernacchi che si svolgerà in Piazza Felice Orsi nelle serate 28, 29 e 30 giugno 2013 dalle ore 21 alle 24.
Il format, già ideato e realizzato con successo in altre località turistiche, si identifica come Happening.

L’iniziativa, patrocinata dal comune di Porcari e promossa dal Comitato del Centenario dello stesso comune nato per celebrare l’evento, prevede figuratività e performance di carattere pubblico con la peculiarità della molteplicità di espressione modulata da una varietà di artisti all’opera in strada. Gli obiettivi sono: promuovere ogni forma d’arte; incentivare la conoscenza e l’avvicinamento alla cultura artistica contemporanea; offrire opportunità di incontro e scambio tra pubblico passante, talenti emergenti e artisti già affermati; favorire la formazione di sinergie tra i diversi linguaggi espressivi dell’arte contemporanea; promuovere il territorio.

L’opera è andata in scena:
Teatro del Maggio Musicale Fiorentino
corso Italia, 16 – Firenze
Giovedì 2 Maggio, ore 19:00
Domenica 5 Maggio, ore 15:30
Mercoledì 8 Maggio, ore 19:00
Domenica 12 Maggio, ore 15:30

Don Carlo
musiche Giuseppe Verdi
opera in cinque atti di Fracois-Joseph Méry e Camille du Locle da Friedrich Schiller
direttore Zubin Mehta
maestro del coro Lorenzo Fratini
orchestra e coro del Maggio Musicale Fiorentino
Filippo II: Dmitry Beloselskiy
Don Carlo: Massimo Giordano
Rodrigo: Gabriele Viviani
Il Grande Inquisitore: Paata Burchulazde
Un frate: Alexander Tsymbalyuk
Elisabetta: Kristin Lewis
Eboli: Ekaterina Gubanova
Tebaldo: Laura Giordano
Il conte di Lerma/Un araldo reale: Saverio Fiore
Una voce dal cielo: Ekaterina Sadovnikova
Deputati fiamminghi: Andrea Vincenzo Bonsignore, Gianluca Margheri, Italo Proferisce, Alessandro Calamai, Davide Ruberti, Marco Bussi

Vecchie fotografie comprate per pochi euro. Ricordi obsoleti di persone sconosciute, in un contemporaneo che produce ossessivamente immagini più per vanità che per reale necessità di ricordare. L’abito della festa e l’appuntamento tanto atteso dal fotografo ora a nessuno interessano se non come merce. Parte da qui la nostra sperimentazione, da una collezione in continuo aumento di volti, persone, storie che non conosciamo ma vorremmo conoscere. Le tecniche utilizzate sono varie, da quelle più tradizionali e pittoriche a sperimentazioni con fotocopiatrice, carta e plastica.

Quello che sarà esposto dal 13 maggio al teatro della Cooperativa è una parte di questo progetto che continueremo a portare avanti arricchendo la collezione e lasciandoci ispirare da essa.

Vanessa Tripi nasce a Saronno 25 anni fa. Studia all’istituto d’arte dove si avvicina alla fotografia e alla storia dell’arte. Spesso e volentieri si chiude in camera oscura, dove perde la cognizione del tempo. Preferisce le cose fatte in casa.

Francesco Pirini nasce nel 1987 insieme al suo gemello. Voleva fare il paleontologo ma poi ha cambiato idea. Si è diplomato all’Accademia di Brera e attualmente frequenta il MiMaster di illustrazione editoriale a Milano.

Insieme si aggirano per i mercatini delle pulci dove comprano cose inutili come le foto utilizzate per questo progetto.

Teatro della Cooperativa
Via Hermada 8, Milano

15 maggio/5 giugno 2013
da martedì 14 a venerdì 17 dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 19.00
sabato e domenica dalle 18 alle 20.00

Un cimitero di specchi: ognuno porta una bandiera.

Ad aprire la scena è l’ex regina Elisabetta, che trascina le piccole bare dei propri figli, una musica tribale in sottofondo. Il corpo dell’attrice usato come grottesco strumento espressionista. Un corpo che dall’inizio alla fine dello spettacolo non smette di raccontare la fatica disumana di sopportare la sofferenza. Un corpo piegato e agonizzante, il corpo vinto e spezzato di chi ha subito l’abbandono, il tradimento, l’assassinio e la privazione degli affetti più cari.

La tragedia di Riccardo III è quella del suo odio.

Tre donne protagoniste, tutte interpretate dalla coraggiosa Simona Malato, ognuna facendo eco all’altra e moltiplicandone la tragicità.
La regina Elisabetta, la regina Margherita e la madre, la duchessa di York. Tre immagini viventi di una sciagurata calamità umana che ovunque ha portato disperazione.
La prima costretta nello straziante ricordo dei figli assassinati; la seconda, vedova di Enrico IV, ridotta a vivere di carità all’ombra degli assassini della sua famiglia; e infine, la madre di Riccardo, generatrice e spettatrice di tutto quel male.

Come già fece Shakespeare con il suo personaggio, il regista Giuseppe Massa usa Riccardo III per drammatizzare la malvagità umana e assurgerla a livello assoluto.

Se già Shakespeare aveva costruito sulla figura di Riccardo Plantageneto una impalcatura che si nutriva principalmente di immaginazione, riversando su di esso tutti gli incubi che il potere poteva generare, qui l’esasperazione dei suoi effetti è esponenziale.

Quasi una sintesi dei momenti più tragici dell’opera, Massa sceglie la IV scena del IV atto per raccontare in poche battute e tre soli personaggi la crudeltà di Riccardo.

 
Interessante e d’effetto la traduzione del testo in siciliano, tra l’arcaico e il popolare, che estrapola dal testo soprattutto l’aspetto carnale e sanguinario. Uno studio sulla lingua e sulla forza espressiva del dialetto come strumento teatrale capace di dare corpo e materia alla parola poetica.
Un’operazione originale, ambiziosa e parziale al tempo stesso. Parziale perchè si limita a prendere in esame una piccola parte dell’opera senza la pretesa di raccontarla tutta e attraverso tutti i suoi livelli esegetici; ambiziosa perchè in quelle poche battute si concentra in termini universali la mostruosità del Duca di Gloucester.

Di notevole suggestione l’utilizzo della maschera con cui è citato in termini fisici il personaggio di Riccardo, che diventa un mostro dalla gestualità rovesciata e convulsa che tuttavia ipnotizza il pubblico come una divinità pagana. Un fascino perverso di ambiguità e doppiezza, lo stesso che lo lega indissolubilmente a quell’universo femminile che ha distrutto e che al contempo lo ha generato.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro i
via Gaudenzio Ferrari, 11 – Milano
fino a lunedì 13 maggio
orari: da lunedì a sabato, ore 21.00 – domenica, ore 17.00 (martedì riposo)

Richard III (overu la nascita du novu putiri)
di William Shakespeare
regia e traduzione in siciliano Gc
con Simona Malato
luci Rudy Laurinavicius
scene e costumi Simone Mannino
aiuto costumista Isabella Stefanelli
foto di scena Simona Scaduto
assistente alla regia Simona D’Amico
produzione Associazione Bogotà in collaborazione con A. C. Scupa e Nostra Signora c.c.d

Ieri sera siamo stati al bar! Non uno dei tanti locali in cui si limitano a spillarti un boccale di doppio malto o un calice di rosso, bensì in uno di quelli che intrattengono gli avventori con spettacoli dal vivo.
Abbiamo assistito al Mercatino di San Lorenzo, un recital a due voci e due strumenti dove, tra cataste di variopinte cassette di frutta e vasi di fiori, ritroviamo Davide Lorenzo Palla nella doppia veste di attore/autore, dopo averlo più volte recensito come ironico interprete dei testi di Federico Perrone. Qui apprendiamo dell’esistenza di questo mercatino tra le cui bancarelle, si aggirano personaggi dall’apparenza comune ma con storie assolutamente fuori dall’ordinario, rivissute sia attraverso i ricordi di Palla che nelle canzoni composte ed eseguite da Francesco Piccolo: lo stralunato venditore di carillon, il supernonno, la signora con l’amata piantina da rinvasare. Il linguaggio e le movenze sono quelli ruspanti del commerciante che cerca di attirare l’attenzione, decantando la mercanzia con forbiti giri di parole ed ammiccando alle massaie: si prestano perfettamente a tenere il pubblico inchiodato alla sedia – più sovente è in realtà uno sgabello – con risate ed applausi incessanti, sino al delirio finale.
La scelta del bar si riallaccia alla tradizione gloriosa del cabaret milanese, dove cantautori e comici hanno messo insieme il repertorio che li ha resi famosi attraverso il continuo confronto con gli avventori. L’ora tarda e la compagnia di un bicchiere di “quello buono” si prestano particolarmente a sentire le storie che, fatte decantare nella memoria del narratore, ci paiono più affascinanti, come quelle che il supernonno raccontava la sera dopocena per accompagnarci lentamente nel mondo dei sogni. “Al mercatino di San Lorenzo / trovi gli artisti pieni di guai / che come me non crescono mai / trovi gli artisti pieni di gloria / che con gli errori scrivono la storia”.
Con questa Tournée da bar CalibroNotte torna nei locali in cui lo scorso anno ha presentato il fortunato Tritacarne Italia Show con la speranza di bissarne il successo. A nostro parere, possono davvero ritenersi soddisfatti perché il pubblico ne sembra entusiasta seppur, rispetto allo spettacolo precedente, abbiano cambiato completamente formula, passando da un monologo – non ce ne voglia il burattino se non lo contiamo – ad una rappresentazione più articolata per rendere la musica coprotagonista sul palco. Nella parte introduttiva del Mercatino di San Lorenzo, Palla scherza su questa scelta itinerante come ripiego escogitato dal produttore per sopperire al fatto che gli autori oltre ad un buon prodotto –ben confezionato con tanto di cartellina – non avessero anche “una sala dove mettere un po’ di sedie per farci accomodare spettatori paganti”. Questa purtroppo è la realtà milanese: i teatri (ed i fondi pubblici) sono appannaggio di compagnie consolidate, lasciando uno spazio praticamente nullo ai giovani ed agli sperimentatori, con buona pace dei programmi elettorali che a ogni nuova elezione ci illudono che le cose possano cambiare.

Lo spettacolo è in scena:
Tournée da bar 2^nd edition
8 – 17 maggio – Milano

Arci Ohibo’ - via Benaco 1
mercoledì 8 maggio ore 21.00
www.associazioneohibo.it

Pentesilea - via Cesare Cesariano 6
giovedì 9 maggio ore 20

Arci Cicco Simonetta – via Cicco Simonetta 16
venerdì 10 maggio ore 21.30
www.ciccosimonetta.org

La Buca Di San Vincenzo – via San Vincenzo 15
sabato 11 maggio ore 22
www.labucadisanvincenzo.it

Pokai - via Savona 15
lunedì 13 maggio ore 22

Ostello Bello – via Medici 4
martedì 14 maggio ore 21 a
www.ostellobello.com

Arci Bellezza – via Bellezza 16
mercoledì 15 maggio ore 21
www.arcibellezza.it

Scighera – via Candiani 131
giovedì 16 maggio ore 22
www.lascighera.org

Bar Doria – via Plinio 5
venerdì 17 maggio ore 22
+ festa di fine tour

CalibroNotte presenta
Mercatino di San Lorenzo
spettacolo – concerto da bar e da battaglia
di Davide Lorenzo Palla
consulenza registica Riccardo Mallus
impianto scenico Fabrizio Palla
consulenza drammaturgica Federico Perrone
con Davide Lorenzo Palla e Francesco Piccolo
musiche originali di Francesco Piccolo (voce, pianoforte, chitarra)
accompagnamento di Tiziano Cannas (fisarmonica, tromba, violino)
supporto Organizzativo Sara Carmagnola
aiuto ufficio stampa Ilaria Caputo

http://www.youtube.com/watch?v=Y59zBXvvIls

Dal 3 maggio al 2 giugno il Teatro Oscar presenta un omaggio a Thomas Stearns Eliot, forse il maggiore poeta anglo-americano del Novecento. Il Progetto Cocktail Eliot, realizzato in collaborazione con British Council, Università degli Studi di Milano, QuindiQuando e Zonemp, è composto da tre spettacoli: Cocktail Party, Cats e altri gatti pratici e La terra desolata. La trilogia, oltre a essere un omaggio al grande poeta, è anche l’occasione di tracciare una linea sul carattere e la vita di questo grande autore per giungere a una comprensione più profonda del suo pensiero e della sua opera.

Tra gli spettacoli proposti all’interno del progetto, La terra desolata è andato in scena, il 7 e 8 maggio, per la regia e l’interpretazione di Annig Raimondi – e la traduzione di Roberto Sanesi. La terra desolata è ormai uno spettacolo cult: infatti, è al diciottesimo anno di repliche, ma – nonostante sia in scena da moltissimi anni – è sempre in grado di parlare in modo nuovo e profondo al suo pubblico.

Il libro The Wast Land – pubblicato nel 1922 – è suddiviso in cinque sezioni dove si rincorrono elementi simbolici e archetipici innestati in descrizioni di situazioni e paesaggi. Su tutto predomina il simbolo del Santo Graal o coppa del sangue di Cristo, ferito e sofferente a causa della creazione desertificata e impura. Dalla tradizione letteraria al mito, dalla religione all’antropologia culturale, tutto confluisce in un’opera che attinge alle filosofie orientali e ai testi sacri per rappresentare un’allegoria dello spirito smarrito.

La struttura frammentaria e divagante della narrazione ben si presta all’esecuzione in forma teatrale del testo poetico, cha approfitta dei congegni del teatro elisabettiano, del music-hall popolare, della poesia metafisica, della sacra rappresentazione medievale, del nonsense ironico come della suggestione simbolista.

La voce recitante si moltiplica e si spersonalizza nella variazione dei registri in un monologo a più voci per sollevare il problema di un Io in crisi, che sentendo di aver perduto la propria centralità tenta di recuperarsi in un contesto di voci altre e diverse.

Dopo la rappresentazione teatrale la regista e attrice si è intrattenuta a discutere con il suo pubblico sulla complessità dell’opera che porta in scena da diciotto anni, consigliando di apprestarsi alla visione dello spettacolo non prima di aver letto il poema di Eliot e di soffermarsi sulle note che accompagnano il testo per poter raggiungere una comprensione testuale ed emotiva più completa dell’opera.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Oscar
via Lattanzio, 58 – Milano

La terra Desolata
di Thomas Stearns Eliot
traduzione Roberto Sanesi
regia Annig Raimondi
con Annig Raimondi
scene e luci Fulvio Michelazzi
costumi Nir Lagziel
musiche Maurizio Pisati, La Cruz, Antonio Scarano, Richard Wagner
produzione PACTA dei Teatri
 
Gli appuntamenti continuano:

Cocktail Party

regia Annig Raimondi

con Annig Raimondi, Maria Eugenia D’Aquino, Massimo Loreto, Riccardo Magherini, Antonio Rosti e Vladimir Todisco Grande

fino a domenica 2 giugno

(esclusi il 7, 8, 23 e 29 maggio)

Si narra di quando Mosè si trovò di fronte alle acque del Mar Rosso e disse: «Le naturali in cantina e le frizzanti in frigo!». È con queste parole che il duo comico, composto da Enzo Paci e Andrea Bottesini, dà inizio allo spettacolo Fin qui tutto bene. Partendo dal loro pezzo forte, Si narra, per poi passare a I Doppiatori, Il Carosello e I Cronisti dell’Esegesi ermeneutica della lirica.

Attraverso questa allegra carrellata di sketch si analizzano, in modo divertente, le idiosincrasie della società attuale: di fretta, finta e ormai incapace di comunicare e, soprattutto, di ascoltare. Intendendo, però – si badi bene – una comunicazione non solo verbale. Il 75% delle forme di comunicazione, infatti, è costituito dal non verbale: gesti, espressioni, sguardi. Ed è qui che entra in scena il sapiente “mimo” Simone Barbato che, attraverso la propria gestualità, diverte molto più di tanti comici dalle battute ormai scontate.

In scena, Barbato è in grado di “trasformarsi” – con abilità incredibile – in forbici, mucche, asini stizziti, gomme da masticare, riuscendo in modo eccelso nel proprio intento. E per chi, come me, non ha mai sentito un mimo parlare, ecco che – appena gli appoggiano un cappello in testa – Barbato esprime al meglio anche la sue abilità attorali, recitando un pezzo di Aspettando Godot, e quelle di cantante lirico – insieme ad Andrea Bottesini.

A ogni frase o movimento corrisponde una risata da parte del pubblico, che partecipa direttamente allo spettacolo aiutando i comici genovesi a perfezionare il loro dialetto bergamasco e, come usuale negli spettacoli di caberet, divenendo oggetto di uno scherno volto a strappare una risata in più e a creare un’atmosfera di festa.

Lo spettacolo è andato in scena:
Zelig Cabaret 
viale Monza, 140 – Milano
doppio spettacolo con il duo PACI-BOTTESINI e SIMONE BARBATO
sabato 11 maggio 2013, ore 21.30

Se l’oscurità ti ottunde, se ti trovi al centro di un labirinto e non sai come uscirne, se la strada è perduta e la notte è senza stelle, insomma “Se sei al buio… accendi la luce!”. Così la canzone che apre la scena risolve in modo semplice e indolore i momenti critici della vita.

Un uomo si risveglia dal coma in seguito a un incidente automobilistico convinto di essere il prescelto da un’entità superiore. Non gli resta che seguire il richiamo diventando il profeta di una nuova setta.

Basta poco per far sì che le persone, colte nel vivo delle proprie debolezze, si abbandonino a una guida che promette successo e felicità.

Persino un ex-perdente come il nostro protagonista, ombra di se stesso e incapace a muovere interesse o amore nei suoi simili, trova una facile via d’accesso al cuore altrui facendo leva sulle sue paure.

La pièce ha inizio mentre l’uomo è dalla sua ex, che inorridita rifugge le sue attenzioni a quanto pare piuttosto ricorrenti.

Il povero stalker ce la mette tutta per riconquistare il cuore dell’ex fidanzata, facendola sentire apprezzata e amata, e soprattutto insinuandole il dubbio che solo lui possa capirla davvero. Ma se gli abbracci non bastano a convincerla, lo fanno le informazioni personali che nessuno a parte lei potrebbe mai conoscere e che lui le sciorina davanti come un vero sensitivo.

La sedicente chiaroveggenza sembra mietere successi non solo, a quanto pare, con la donna desiderata e provoca una certa sensazione di incondizionata fiducia in moltissimi futuri adepti. Ben presto il protagonista riesce ad attirare attorno a sé una folla tanto numerosa di seguaci che la voce arriva persino a un noto attore, che come gli altri non riesce a resistere al richiamo della setta.

Tra svilizzazione dell’autonomia critica dell’individuo ed esaltazione del gruppo, il leader offre l’allettante opportunità di consegnare le responsabilità di ognuno nelle proprie mani, offrendo soluzioni sicure e felicità garantita. Quale migliore occasione di togliersi dall’imbarazzo della scelta tra bene e male, tra giusto e sbagliato?

Come è ovvio, i problemi inizieranno a sorgere nonostante il crescente autoritarismo del leader e i tentativi di arginare critiche e opposizioni tra gli iniziati con umiliazioni pubbliche e isolamenti forzati.

Una riflessione sulle dinamiche narcisistiche che spingono alcuni a ricoprire ruoli di potere per soddisfare le proprie pulsioni, altri a riconoscersi senza riserve in un gruppo che li faccia sentire finalmente integrati, fornisca loro un’identità condivisa che non riescono a sviluppare autonomamente e uno scopo comune che incanali energie e desideri.

Indispensabile per ottenere obbedienza è l’ottimismo, la promessa di felicità, che nella complessità del contemporaneo è un miraggio a cui difficilmente si resiste.

Un testo ironico e svelto quello di Dario Merlini e una brillante prova per tutti gli attori della Compagnia Òyes, formata da ex allievi dell’Accademia dei Filodrammatici.

Per uno spettacolo kafkiano che scorre senza intoppi, grazie anche a una scenografia funzionale e minimalista – unico elemento importante un fondale che cambia colore a seconda delle suggestioni drammaturgiche.

Manca forse a tratti uno sviluppo più profondo della riflessione tematica che conduca a un legame empatico con la vicenda rappresentata. Un limite dettato dal ritmo e da una recitazione sempre troppo cerebrale, seppur indubbiamente divertente, dei dialoghi sempre incalzanti.

Lo spettacolo continua:
Teatro Filodrammatici
Via Filodrammatici, 1 – Milano
fino a domenica 19 maggio
orari: martedì, ore 20.45; mercoledì, ore 19.30; giovedì, venerdì e sabato, ore 20.45; domenica, ore 16.00

Luminescienz
di Dario Merlini
regia di Umberto Terruso
con Enrica Chiurazzi, Stefano Cordella, Andrea Lapi, Francesco Meola, Dario Merlini
scene e costumi Chiara Luna Mauri
assistenti alla regia Daniele Crasti, Fabio Zulli
produzione Òyes con il sostegno di Teatro Filodrammatic

Segnaliamo con piacere la notizia.

Mercoledì 15 maggio alle ore 11 nella Sala del Consiglio Comunale Comune di Pontedera, Palazzo Stefanelli, in corso Matteotti 37.
Alla cerimonia per il conferimento della Cittadinanza onoraria al russo Anatolij Vasil’ev, insigne regista e pedagogo teatrale, la cittadinanza onoraria da parte del Sindaco di Pontedera, Simone Millozzi.

Anatolij Vasil’ev, maestro del teatro europeo, cittadino onorario di Pontedera

Il Sindaco di Pontedera rinnova una tradizione quasi ventennale di riconoscimenti a grandi maestri delle arti, conferendo al russo Anatolij Vasil’ev, insigne regista e pedagogo teatrale, la cittadinanza onoraria.

La cerimonia avrà luogo mercoledì 15 maggio alle ore 11 nella Sala del Consiglio comunale.

Ricordiamo che il primo maestro del teatro, cittadino onorario di Pontedera, è stato Jerzy Grotowski che alla nostra città ha legato la fase finale del suo straordinario percorso creativo. E proprio nel nome di Grotowski, alla fine degli anni Ottanta, è iniziata la frequentazione di Vasil’ev con il Teatro di Pontedera; una relazione feconda che si è articolata in numerosi progetti e passaggi susseguitisi negli anni, tra Pontedera, Mosca, Volterra e Firenze. Vasil’ev, artista di fama mondiale, veniva a Pontedera con la sua compagnia del Teatro “Scuola d’Arte Drammatica” di Mosca per partecipare a incontri di lavoro con Grotowski e i suoi collaboratori; mentre su invito della Fondazione Pontedera Teatro presentava i suoi spettacoli e saggi teatrali, prove aperte e lezioni. Parallelamente, sia il Workcenter di Grotowski, sia il Teatro di Pontedera venivano invitati a Mosca al Teatro “Scuola d’Arte Drammatica”. Vasil’ev ci ha testimoniato il suo affetto partecipando nell’ottobre del 2008 all’inaugurazione del Teatro Era, di cui per anni aveva visto la maquette nella vecchia sede di Via Manzoni.

Il contributo di Anatolij Vasil’ev alla storia del teatro contemporaneo sta in una serie di spettacoli innovativi e memorabili e in una costante, rigorosa attività pedagogica innervata nella grande tradizione stanislavskijana. Pirandello, Molière, Puškin, Heiner Müller sono gli autori che più frequentemente ha messo in scena; Sei personaggi in cerca d’autore, Questa sera si recita a soggetto, Anfitrione, Le lamentazioni di Geremia, Don Giovanni, ovvero il convitato di pietra, Mozart e Salieri, Medeamaterial, Il viaggio di Onegin sono i suoi spettacoli più conosciuti, presentati in tutto il mondo.
L’attuale residenza a Pontedera è di nuovo nel nome di Pirandello. Infatti dall’11 maggio all’1 giugno, ospite della Fondazione Pontedera Teatro, Vasil’ev dirigerà un laboratorio su Pirandello dal titolo “L’innesto”. Il laboratorio, scaturito dal progetto di “Pedagogia per Pedagoghi” tenutosi a Venezia, si è poi sviluppato nel corso di diverse residenze all’Istituto Grotowski di Wroclaw, in Polonia; l’approdo a Pontedera, con otto partecipanti, è la prosecuzione di una lunga fase di ricerca e formazione. Alla fine della residenza sono previste tre sessioni di lavoro aperte al pubblico.

Per la musica classica l’attuale anno in corso, il 2013, segna un anniversario “doppio” che non può assolutamente venire trascurato; per la precisione, si tratta del bicentenario della nascita delle due personalità che hanno lasciato il segno più profondo nel XIX secolo e che hanno ispirato una parte cospicua e significativa non solo dell’arte moderna, ma della cultura in senso ampio. Stiamo parlando di Richard Wagner, nato il 22 Maggio del 1813, e di Giuseppe Verdi, nato il 10 Ottobre, come detto, dello stesso anno. Sono numerose le attività e le iniziative culturali, anche nella città di Roma, realizzate per celebrare questo doppio anniversario, e tra queste c’è anche quella dell’Associazione Musica ai Ss. Apostoli, che, giunta quest’anno alla terza stagione, ha deciso di dedicare un bellissimo concerto ai lieder dei due grandi compositori. Nella sala dell’Immacolata del Convento Ss. XII Apostoli, la voce del soprano Elvira Maria Iannuzzi e il pianoforte del maestro Alessandro d’Agostini hanno dato vita a uno spettacolo esclusivo, trascinante e di grande qualità. L’esclusività dell’evento sta nel fatto che il repertorio dei lieder dei due compositori viene raramente eseguito, perciò si è trattato di un’occasione unica per godere di una selezione pregevole di brani straordinari, dove il genio dei due maestri emerge chiaramente. Non a caso, molti di questi brani mostrano già intuizioni e ispirazioni che saranno evidenti nella produzione wagneriana e verdiana più celebre; come ha ben esposto d’Agostini nella sua introduzione alle esecuzioni, questi lied sono indicativi in relazione alle vicende biografiche dei due autori, soprattutto quelli di Wagner, che infatti testimoniano delle sue tristi e irrisolte vicende amorose; sempre il pianista, affermato direttore d’orchestra che ha lavorato fra gli altri per Il Teatro dell’Opera di Roma e come Direttore per il Teatro Nazionale dell’Opera di Macedonia, ha evidenziato come due di questi lied, ovvero Traume e il meraviglioso Im Treibhaus, fossero degli studi preparatori alla scrittura del capolavoro Tristano e Isotta. La prima parte del concerto, dedicata a Wagner, attesta anche le qualità straordinarie del soprano Iannuzzi: esecuzione impeccabile, empatica, precisa e al contempo di grande energia. Il meglio di sé il soprano però lo offre al pubblico nella seconda parte, in quella dedicata a Verdi: è chiara da subito la lontananza rispetto al corpus di brani wagneriani, soprattutto perché si tratta di un insieme differenziato di canzoni realizzate in un grande lasso di tempo. Si va dalla memorabile Tu dici che non m’ami?, stornello che Verdi dedicò al collega e amico Francesco Maria Piave, librettista dei suoi maggiori capolavori, quando quest’ultimo divenne invalido. Il brano, frizzante e brioso, che mette in evidenza le riconosciute corrispondenze melodiche ed espressive tra la tradizione del melodramma italiano e la romanza ironica specie napoletana, viene eseguito dal duo ben due volte, anche alla richiesta del bis da parte del pubblico; a questa assomiglia anche Brindisi, lied scritto per Verdi da Andrea Maffei, intellettuale della borghesia milanese, noto traduttore di Shakespeare e librettista del Macbeth. Oltre ad altri brani scritti da Maffei, sono state eseguite In solitaria stanza di Jacopo Vittorelli, poeta e antichista del XVIII secolo, e due brani tradotti (sembra alquanto maldestramente, ma certo in maniera funzionale) direttamente da Wolfgang Goethe. In conclusione, uno splendido concerto, profondo ma anche divertente; Musica ai Ss. Apostoli dà appuntamento a Domenica 19 maggio per un concerto per piano a quattro mani, con musiche di Debussy, Fauré e Poulenc.

Lo spettacolo è andato in scena:
Convento Ss. XII Apostoli – Sala dell’Immacolata
via del Vaccaio 9 – Roma
domenica 12 maggio, ore 19.00

Musica ai Ss. Apostoli presenta
R. Wagner – G. Verdi. Lieder e Arie da Camera
di Richard Wagner, Giuseppe Verdi
soprano Elvira Maria Iannuzzi
piano Alessandro d’Agostini

Su un filmato in cui scorrono le immagini dell’infanzia di un bambino, una voce accompagna i ricordi e guida lungo una riflessione. «…Se scoprissi più del lecito, cosa resterebbe al giorno o alla notte da scoprire o all’attimo da cogliere, o al presente da afferrare, cosa resterebbe di me… Voglio percorrere le strade che portano dentro un’emozione. Voglio vivere una vita fatta di meraviglia!»; si apre con queste intense parole lo spettacolo dei Sonics, compagnia torinese di acrobati nata nel 2001, che in pochi anni ha raggiunto traguardi ambiziosi, e che nel titolo racchiude tutta la sua essenza: Meraviglia.
Non un semplice sostantivo acclamato con stupore, ma un pianeta extraterrestre i cui abitanti si muovono al suo interno, plasmando lo spazio aereo in maniera fantasiosa, interagendo con altri oggetti scenici introdotti in un susseguirsi di emozioni. Dai tessuti ai cerchi, passando per strutture complesse, originali, sospese per aria e in cui otto straordinari atleti (quattro ragazze e quattro ragazzi) si muovono fluttuanti, al limite del contorsionismo, come se la forza di gravità non esistesse.
Una macchina d’acciaio a quindici metri d’altezza, con un diametro di quattro, a forma sferica, quasi a rappresentare una sorta di grande lanterna rossa, in grado di supportare le conturbanti acrobazie degli otto protagonisti, è il motore forte che dà vita alla scena dove «non c’è una drammaturgia testuale ma visuale, fatta di musiche, colori e corpi che si muovono nello spazio disegnando figure, spazi, mondi paralleli», come spiega Alessandro Pietrolini, fondatore dei Sonics insieme a Ileana Prudente.
Adrenalina, stupore e comicità sono dunque gli ingredienti di Meraviglia, una favola moderna e senza presunzione se non quella di far sognare lo spettatore attirandolo in un ambiente surreale e indefinito proprio della fantasia umana. Una farfalla in punta di piedi si agita così in un giardino animato dove la stessa natura dà vita all’essere umano, libero di amare il suo prossimo, uomo o donna che sia. Visioni oniriche e fiaba s’intrecciano all’unisono come i perfetti corpi dei giovanissimi acrobati che fondono muscoli e talento, entrambi messi a nudo e ricoperti contemporaneamente da particolari costumi, che rievocano spesso il mondo animale e che hanno impreziosito, per due serate, il palco del teatro Brancaccio di Roma, dove a regnare è stata l’arte e l’eleganza in grado di far dimenticare per poco più di un’ora tutto ciò che fuori ci circonda.
La bravura dei Sonics, che finora è giunta nelle più belle città e località italiane, europee e del mondo, da Miami a Mumbai, da Frankfurt a Dubai passando per Patrasso, Beirut e Kiev (dove hanno presentato un frammento di Meraviglia durante la Cerimonia di apertura dello Stadio che ha ospitato gli Europei di Calcio 2012), continuerà ad emozionare tantissime platee, ma noi siamo sempre pronti ad accoglierli per spiccare insieme un altro meraviglioso volo.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Brancaccio
via Merulana, 244 – Roma
venerdì 10 e sabato 11 maggio, ore 21.00
(durata 1 ora e venti intervallo escluso)

La compagnia acrobatica SONICS presenta
Meraviglia
di Alessandro Pietrolini
coreografie aeree Ileana Prudente
performers Irene Chiarle, Federica Vaccaro, Micol Veglia, Viola Cappelli, Giorgio Richetta, Claudio Bertolino, Lucio Rizzi, Alessandro Pietrolini
costumi Ileana Prudente
disegno luci Niki Casalboni, Alessandro Pietrolini
produzione e distribuzione Fanzia Verlicchi per Equipe Eventi sas

A luglio sarà pubblicato il bando di accesso alle residenze creative di Dance_B, destinato agli autori.

A Milano, nel quartiere isola, a due passi dai teatri su cui si esibiscono compagnie di danza classica e contemporanea acclamate in tutto il mondo, ha sede Dance_B, un progetto di residenze di supporto alla creazione degli autori. In questo spazio, realizzato in collaborazione con DanceHaus e con Anticorpi XL, i coreografi o aspiranti tali hanno l’opportunità di allestire il proprio spettacolo fruendo di  sale prova attrezzatissime ma, soprattutto, godendo del clima di fervore creativo e scambio culturale che si crea lavorando sotto lo stesso tetto con altri artisti, produttori e i promotori dello spettacolo dal vivo. Il progetto di residenza può prevedere supporti sia economici che di ospitalità nonché di gestione di un budget per il progetto.
Tra un paio di mesi, a luglio, sarà pubblicato il bando per assegnare le residenze creative a partire da quest’autunno, invitiamo pertanto i coreografi e danzatori interessati ad iniziare a preparare la presentazione del proprio progetto e tener d’occhio il sito.
In bocca al lupo!

Per ulterioriu informazioni:
il bando per le residenze autunnali sarà pubblicato nel mese di luglio sul sito:
www.danceb.org

Il “progetto residenze” promosso dal Teatro Studio Uno di Torpignattara in questi mesi ha fatto delle sale del teatro un luogo di costruzione, incontri e scambi, dando spazio e visibilità alle giovani compagnie indipendenti della scena off e risalto alla drammaturgia contemporanea e alla sperimentazione. Il progetto ha ospitato sei compagnie con sei residenze temporanee che hanno portato alla creazione di altrettanti spettacoli site specific.

L’ultimo appuntamento vedrà in scena dal 7 al 19 maggio lo spettacolo Adamo&Eva scritto e diretto da Laura Rovetti con Leonardo Maddalena e Anna Terio. Lo spettacolo è liberamente ispirato a Il diario di Adamo ed Eva di Mark Twain. E’ il racconto dell’uomo e della donna, delle loro differenze, ne narra i clichès, gli stereotipi e le piccole verità senza mai riuscire però a svelare il mistero assoluto dell’attrazione tra i sessi. Attraverso questa favola dai toni leggeri e delicati, Adamo ed Eva si incontrano e scontrano, si conoscono, imparano ad accettarsi e scoprono finalmente di amarsi… amarsi per tutta la vita.

Lo spettacolo continua:
Teatro Quirino
via delle Vergini, 7 – Roma
fino a domenica 12 Maggio
orari: da martedì a sabato ore 20.45, domenica ore 16.45
(durata 2 ore e mezza circa intervallo incluso)

Il Fu Mattia Pascal
dall’omonimo romanzo di Luigi Pirandello
di e con Tato Russo

Rubrica di Simona Curatola

Remembering that it is possible to sign a membership card (only 5 euro per year!) with which you have discounts and free passes in many theatres in Italy, we would like to recommend you some of the most important dates throughout our country.

Starting from Rome, Teatro Argotpresents Alan Sillitoe’s The Loneliness of the Long Distance Runner (until May 12), while from May 14 to 26 is on stage Suerte (written, directed and performed by Alessio di Clemente, from the homonymous novel by Giulio Laurenti). At Teatro Vascello (20% discount) continues up to May 12 L’arma – How Long is now, with Giorgio Colangeli, Andrea Bosca and Mariachiara Di Mitri. On May 14 and 15 Teatro Persona presents Aure, with Valentina Salerno, Francesco Pennacchia and Chiara Michelini, directed by Alessandro Serra, while from May 17 to 19 it will be the turn of Lightblack, where eight different performers will share the same stage (direction by Andrea De Magistris and Giovanna Vicari). Finally, from May 21 to 23 Manuela Kustermann will perform as soloist in Saffo o il Volo dell’Acrobata (Sappho or the Acrobat Flight), inspired by Marguerite Yourcenar’s Fires and directed by Massimo Greenish. At Teatro Eliseo (21% discount) from May 7 to 26 Monica Guerritore is Oriana Fallaci in Mi chiedete di parlare (You ask me to speak), written and directed by the same Guerritore, whereas at Piccolo Teatro Eliseo (21% discount) from May 7 to 19 Isabella Ragonese is the star of Dennis Kelly’s Taking care of baby, directed by Fabrizio Arcuri and from May 24 to 26Love is a wonderful thing, written by Antonio Tarantino and directed by Andrée Ruth Shammah, with Ivana Monti and Laura Pasetti will close the season “Esequie Solenni”. At Teatro Belli (a free ticket for one paid) is on stage up to May 12 I, Ludwig van Beethoven, written, directed and starring Corrado D’Elia. From May 14 to 26 Alberto Oliva directs Confession (from Dostoevskij’s Demons), adapted by and starring Mino Manni.
Moving to Milan, let’s start with Teatro Franco Parenti (30% discount on the full price and 50% for groups of minimum 10 people) where from May 9 to 19 is on stage Harold Pinter’s A kind of Alaska with Sara Bertelà; from May 11 to 18, Tfaddal (Welcome to those who were not born yet), thirteen variations of Hamlet from the new generation, while from May 21 to 24 May and from May 27 to 30 Laiv Action, Festival of performing arts live workshops. Teatro della Cooperativa (ticket: 13 €) presents Mothers. Concert of mistakes and intimacy, with Francesca Albanian, Silvia Baldini, Swewa Schneider and Laura Valli (from May 10 to 12). From May 20 to June 1^st national debut of Communicating doors, a comedy thriller by Alan Ayckbourn, directed by Marco Rampoldi. We would also like to remind, at Teatro Studio Expo from May 9 to 19 Othello Spritz with Bebo Storti, written and directed by Renato Sarti. Finally, at Teatro degli Arcimboldi (discount 10-50% depending on the show) we signal from May 10 to 12, Siddhartha. The Musical and on Tuesday, May 14, Gigi Proietti and the Orchestra “I Pomeriggi Musicali” in Pierino e il Lupo… e molto altro! (Peter and the Wolf… and much more!).
In Tuscany, we highly recommend for Fabbrica Europa 2013, Residenza Creativa with Anatolij Vasil’ev (from May 8 to June 1^st at Teatro Era in Pontedera – only some of the working sessions will be open to the public. Reservations required, limited seating).
At Teatro Fabbricone and Teatro Fabbrichino in Prato from May 10 to 12 is on stage Memories of a slave – a Gigi Di Luca project with Pamela Villoresi.
Last but not least, in Bologna, at Teatri di Vita national debut on May 24 of Bernard-Marie Koltès’ Quai Ouest, directed by Andrea Adriatico with Anna Amadori and Gabriele Duma.

Gli indifferenti. Quando si leggono queste parole, si pensa istintivamente all’opera di Moravia; ma in questo caso il riferimento all’opera è solo tangenziale: lo spunto di Gifuni proviene da una frase di Gramsci del 1917 – nella quale lo statista dice chiaramente “odio gli indifferenti”, affermazione lapidaria che prosegue in una riflessione sulla fetta ingente di responsabilità che questo genere di persone ha nei confronti di gravi fatti storici che possono verificarsi. La loro inettitudine, la loro assenza di spina dorsale, celata sotto false spoglie di innocentismo e pacifismo, si trasforma sempre nella sorpresa di fronte a eventi prevedibili, che avrebbero potuto essere evitati con una loro presa di posizione. Non a caso, gli ignavi sono gli unici condannati infernali di cui nemmeno Dante si degna di parlare nella sua Commedia.

E così fu per il Fascismo. L’apatia di molte persone – simili ai protagonisti del testo di Moravia – fu una preziosa alleata di quelle istituzioni e di quegli intellettuali che, pur di ottenere posizioni di rilievo, si piegarono prontamente alle direttive del regime – senza comprendere che tali posizioni erano più controlli strategici che riconoscimenti dovuti. Una tale combinazione provocò una conversione ideologica vastissima, che non si fermò nemmeno di fronte all’insensatezza e alle contraddizioni della lotta razziale contro gli ebrei, che in Italia aveva ancora meno ragion d’essere: l’operazione di propaganda – o meglio, di “lavaggio del cervello” – non sarebbe stata così efficace se i vari Montanelli, Mascagni, Pizzetti, Casella, Gravelli avessero avuto il coraggio, come Toscanini, di ribellarsi a ciò che ritenevano indecente: in un celebre concerto del 1931, a Bologna, il Maestro si rifiutò di eseguire due inni fascisti in apertura; schiaffeggiato (a 65 anni!) da un gruppo di Gioventù fascista, fu costretto a rinunciare allo spettacolo e ad andarsene dall’Italia. E questo è solo uno tra gli esempi di opposizione raccontati da Gifuni, solo una tra le tante storie di cui l’Italia oggi prova vergogna; ma, accanto al grande direttore parmense, ci sono l’ironia colta e, al tempo stesso popolare, di Gadda, la forza illuminata dei pensieri di Gramsci, le parole agguerrite e commoventi di un intellettuale partigiano come Ramat.

Alle proteste di questi fari della democrazia, si alternano, in una sorta di spettacolo totale, le musiche eseguite – con sentita interpretazione pianistica – da Luisa Prayer e la voce della bravissima mezzo-soprano Laura Bacelli. Il lato musicale spazia da Mascagni a Richard Strauss, da Pizzetti a Respighi, sottolineando talvolta le sensazioni del momento, creando talaltra un contrasto rispetto alle parole pronunciate. Ma più spesso, la musica sottolinea e completa il discorso portato avanti dall’attore nell’evidenziare il forte legame tra arte e regime sotto la dittatura fascista.
Molto spesso si sente abusare dell’aggettivo “necessario” di fronte a un dato artistico, ma in questo caso non se ne può fare a meno. Questa è una performance che risveglia le coscienze, che si addentra in documenti e fatti meno risaputi o troppo facilmente dimenticati.

Sarebbe bello, quindi, vedere lo spettacolo rappresentato nelle scuole o proposto in massa alle scolaresche come elemento necessario alla formazione di cittadini dotati di consapevolezza e senso critico verso la storia – visto l’attuale stato delle cose, preoccupante quasi quanto quello fascista. Non è inutile ricordare che ancora oggi molte idee e nostalgie del Ventennio continuano a vibrare nel sottosuolo; molte manovre politiche sono simili a quelle pre-regime, solo più subdole e meno scoperte; per non parlare poi della violenza “manganellara” degli ultimi giorni che fa temere il peggio e rabbrividire di fronte alla spaventosa attualità de L’inno del Santo manganello che gli squadristi scrivevano dietro al santino della “Madonna del manganello” e che intonavano quando picchiavano a sangue intellettuali e preti dissidenti.

Lo spettacolo continua:
Teatro Franco Parenti
via Pier Lombardo, 14 – Milano
fino a giovedì 9 maggio

Gli indifferenti
di e con Fabrizio Gifuni
voce Fabrizio Gifuni
mezzo soprano Monica Bacelli
Commissione della Accademia Filarmonica Romana
Produzione: A.C. Pietre che cantano

Ironico e autoironico. È così che ama definirsi Michele Lafortezza, autore e protagonista di Handy non Andy, in scena al Teatro della Cooperativa, ed è così che riesce a far ridere di gusto il suo pubblico. Con la sua disarmante verve, lo “Sfigocomico”, come lui stesso si appella, porta in scena vicende tratte dal suo quotidiano e legate alla sua tetraparesi spastica distonica: momenti di vita vissuta trasportati in una brillante dimensione comica dall’attore che, divertendo e divertendosi, li riassume in simpatici sketch, in grado al tempo di stesso di far riflettere e far ridere. 

Non mancano riferimenti pungenti alla situazione sociopolitica che l’Italia sta attraversando, così come sono frequenti nel testo di Lafortezza aspre critiche nei confronti di grandi multinazionali, che spesso purtroppo sacrificano i diritti dei lavoratori e il rispetto per il pianeta in nome del profitto.

Lo spettacolo di Lafortezza non è soltanto un avvicendarsi di satira e sketch puramente comici, è anche la dimostrazione concreta e limpida di come sia possibile superare barriere apparentemente insormontabili con la giusta dose di ironia e disincanto, senza cedere all’autocommiserazione e a facili vittimismi.

Gli scorci di vita raccontati dall’attore non sono altro che “storie quotidiane di un Handy che possono essere anche di un Non Handy”: in fondo, nessuno può definirsi pienamente “normale” semplicemente perché il concetto di normalità è pura astrazione, un concetto “altro” rispetto alla realtà che ci circonda.

Il messaggio che nella sua semplice ma efficacissima comicità Michele Lafortezza vuole dare a chi lo ascolta arriva dritto al cuore: in un mondo in cui ognuno è preoccupato per la propria carriera, per la propria realizzazione personale, è quantomai necessario recuperare la facoltà di saper ascoltare e comprendere gli altri per riuscire a ritrovare la gioia della condivisione e il rispetto per tutti gli esseri viventi e ridare un senso alla nostra esistenza che, come ci insegna Michele, non può prescindere da quella degli altri.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro della Cooperativa
Via Hermada, 8 – Milano
da venerdì 3 a domenica 5 maggio
Orari: venerdì e sabato ore 20.45 – domenica ore 16.00

Handy non Andy
di e con Michele Lafortezza

Qualche libro posato qua e là, una tavola apparecchiata, degli scaffali colorati, un materasso e uno stendibiancheria compongono la scenografia dello spettacolo. Saranno questi oggetti ad aiutare l’interprete nell’avvincente compito di ricreare sul palco quell’atmosfera intrisa di quotidianità che ispira la sua inarrestabile forza comica. Lastrico, poeta scanzonato della normalità, riesce a rievocare – semplicemente – i suoi ricordi d’infanzia e a raccontare – con altrettanta naturalezza – la biografia di Gesù. Le voci degli anziani che giocano a carte nel bar del paese si fondono con quelle di Dio e Abramo – protagoniste dell’episodio biblico che narra il sacrificio d’Isacco. La cronaca di una serata al ristorante giapponese si mescola al racconto dell’Ultima Cena. Non si tratta di banalizzare, demistificare o ridicolizzare. La lingua dantesca permette all’attore genovese di muoversi agevolmente da un’interpretazione all’altra, senza mai essere scontato, volgare o banale. Questa particolare scelta stilistica gli consente di tornare su luoghi comici già frequentati per riproporli in modo ancora più accattivante, ironico ed efficace.

Sul palco dell’Elfo Puccini, d’altra parte, lo show man sorprende con una notevole prova d’attore. Smessi i panni del comico televisivo, l’artista si mostra incredibilmente a proprio agio anche in quelli teatrali. A divertire, infatti, non sono solo le spassose trovate del testo: ad accrescere lo humour della performance contribuisce, infatti, la sua considerevole abilità mimetica che la regia, curata da Gioele Dix, esalta perfettamente. Variando di continuo il suo tono di voce e saltellando con energia da una parte all’altra del palco, l’interprete può regalare allo spettacolo una straordinaria forza dinamica che, minuto dopo minuto, rende sempre più incalzante il ritmo dello stesso. A colpire, inoltre, è la sua sete di novità: senza adagiarsi sui successi ottenuti, il comico sperimenta nuovi sketch, costantemente alla ricerca di quell’originalità che l’ha reso famoso.

Una risata liberatoria si leva in platea a ogni rima. La parete trasparente che separa ciò che accade sulla scena dagli spettatori è definitivamente abbattuta: Maurizio Lastrico interagisce con loro, li coinvolge e, alla fine, li invita addirittura a salire sul palco. Il suo umorismo, schietto e spontaneo, porta a teatro un’atmosfera rilassata, complice ed estremamente piacevole. Alla fine, dopo circa un’ora e mezza di contagiosa allegria, il pubblico, rinvigorito nello spirito, torna nuovamente “a riveder le stelle”.

Lo spettacolo continua: 
Teatro Elfo Puccini  
corso Buenos Aires, 33 – Milano
fino a domenica 12 maggio
orari: da martedì a sabato, ore 21.00 – domenica, ore 17.00
 
Facciamo che io ero io
di e con Maurizio Lastrico
regia di Gioele Dix
produzione: Bananas
(durata 90 minuti)

MADRI concerto di sbagli e di intimità
di e con Francesca Albanese, Silvia Baldini, Swewa Schneider, Laura Valli
con lo sguardo di Elena Bucci
elaborazione drammaturgica Silvia Baldini
direzione musicale Catherine Robin, costumi Erica Sessa, fotografie interviste Martina Santamaria, montaggio audio-video Diego Roveroni, disegno luci Domenico Cicchetti,
organizzazione Carlo Grassi, Simona Patti, Letizia Schiavello, un particolare ringraziamento a Elena Lolli

Nella Rete è la seconda tappa del progetto Giovani e nuove dipendenze - dedicato al mondo degli adolescenti e pre-adolescenti e iniziato dal Teatro del Buratto nel 2011, con Binge Drinking. Lo spettacolo racconta di Iphone, Twitter, Facebook, Messenger, Whatsapp, Skype, Ruzzle, ma anche di tre adolescenti, di dipendenza, di solitudine, di emarginazione, di morte.

I protagonisti sono tre personalità che incrociano le loro storie nella vita reale e in quella virtuale, condividendo lo stesso liceo ma, più che altro, surfando sulla stessa rete. C’è il timido Giulio, deriso dai compagni che si nasconde dietro a mille avatar – alter-ego virtuali; c’è Francesca – l’innamorata – che, al contrario dell’omonima di dantesca memoria, manda allegramente le proprie foto mezza nuda al ragazzo; e c’è la blogger e anaffettiva Elena che, con i suoi racconti, vive la vita altrui – e mai la propria.

Nascosti dietro a monitor e nickname, giovani e adulti passano la propria esistenza tentando di piacere: assumendo un’immagine il più possibile accattivante per riuscirci, credendo che non sia possibile essere amati semplicemente per ciò che si è. Di conseguenza, il disperato bisogno di piacere a qualcuno – fingendosi progressivamente più sexy e interessanti – trasforma la tecnologia in un’ estensione narcisistica di se stessi. Un gioco di specchi nel quale, chi entra a farne parte – diventando “amico”, si sente finalmente incluso e accettato in quello scambio di riflessi dove io mi piaccio, lo specchio mi piace e nessuno si sporca le mani.

La scenografia di Nella Rete, studiata da Marco Muzzolon con un azzeccatissimo blu Facebook, cerca di amplificare proprio questo gioco di specchi, arrivando a portare il riflesso all’interno del riflesso stesso. Allo stesso modo, Carlo Fusani e il suo intervento grafico basato sui frattali – geometrie che si ripetono all’infinito su scale diverse – rimanda allo stesso concetto. Gli attori agiscono in una stanza dalle pareti liquide, con limiti spaziali che si dilatano e spariscono. Si può essere dappertutto.

Il testo – interessante e attuale – scade forse un po’ nel retorico verso la fine, ma colpisce, arrivando dritto al cuore di una platea piena di adolescenti, ai quali sembra voler chiedere se valga ancora la pena di sporcarsi le mani con la realtà, correndo il rischio di essere amati – e non solo di piacere.

Lo spettacolo continua:
Teatro Verdi
via Pastrengo, 16 – Milano
fino a mercoledì 15 maggio

Nella Rete
di Renata Coluccini
con Elisa Canfora, Stefano Panzeri, Ylenia Santo
scene Marco Muzzolon
disegno luci Marco Zennaro
costumi Mirella Salvischiani
video Carla Fusani
direttore di produzione Franco Spadavecchia

«Ma che notte è? È tutto vero o mi hai messo della roba nel caffè?»: sono le parole del ritornello di una delle numerose canzoni che vengono interpretate durante lo spettacolo e che ben rappresentano il senso dell’esperimento teatrale diretto da Emilio Russo.

Bennisuite rappresenta – come consuetudine per Tieffe Teatro – un felice connubio tra tre diversi mondi artistici: la scrittura, il teatro e la musica.

La pièce è tratta dai trentacinque anni di parole di Stefano Benni, i cui romanzi e raccolte di racconti – tra i quali Bar Sport e Il bar sotto il mare – presentano uno stile unico e inconfondibile all’interno del panorama letterario italiano. Le sue storie sono invenzioni incredibili – al limite tra realtà e fantasia, verosimiglianza e illogicità, comico e paradossale. Lo spettacolo teatrale prova – e riesce – a rendere in maniera efficace le stesse atmosfere, calcando la mano sull’irragionevolezza dei personaggi e delle situazioni.

I quattro protagonisti si ritrovano in quella che sembra la sala disordinata di un bar: moltissime sedie di legno di cui alcune ribaltate a terra, una sorta di bancone, un vassoio di cornetti e paste curiosamente da non mangiare. Un uomo di mezza età (l’ottimo Marco Balbi) si autoproclama capocomico e sembra dirigere gli altri protagonisti nell’interpretazione di un racconto ciascuno, tratto da idee e personaggi di Benni. Tra recitazione, canto, passi di danza e situazioni ridicole e assurde – marito e moglie, ad esempio, competono in una singolare sfida di tradimenti amorosi – lo spettacolo procede rapido, con ironia, e – in pieno stile Benni – comicità e illogicità.

La musica è eseguita in scena da Luca Domenicali e Danilo Maggio, componenti della Microband, straordinaria formazione di teatro comico musicale apprezzata in tutta Europa. La loro efficace mimica facciale – con la quale commentano in maniera silenziosa le vicende dei personaggi – si unisce alle eccellenti doti di musici. Suonano di tutto: pianoforte, chitarra, violino, ukulele, mezzo ukulele (nel vero senso della parola), palloncini d’aria e bacchette, corde. Danno l’impressione di poter suonare qualsiasi cosa: probabilmente, se potessero, creerebbero melodie suonando le sedie, il sipario, i riflettori… Non a caso, riescono, nel complesso, a conferire allo spettacolo comicità e allegria, adattando in musica alcune parole di Stefano Benni (da qui, il titolo dello spettacolo, Bennisuite).

Sempre al limite del paradossale, la performance si chiude tra colori e fumogeni con un ultimo canto interpretato da tutti gli attori in scena e accolto dagli spettatori con applausi entusiastici. L’ampio consenso di pubblico induce gli artisti a rientrare in scena per un bis. Tornano, così, a cantare la canzone simbolo dello spettacolo: «Ma che notte è? È tutto vero o mi hai messo della roba nel caffè?». Un ritornello e una melodia che rimangono impressi nel pubblico. Uscendo dalla sala e allontanandosi dal teatro, infatti, non sono pochi gli spettatori che canticchiano il motivo musicale. Un banale esempio della riuscita e dell’efficacia di Bennisuite, spettacolo illogico ma brioso, leggero e divertente. È chiaro che uno spettacolo che riesce a imprimersi nella mente dello spettatore e a lasciare qualcosa di cui ricordarsi – anche solo la melodia di un ritornello, sebbene Bennisuite sia molto di più – può dirsi senza dubbio uno spettacolo riuscito: è logico.

Lo spettacolo continua:
Tieffe Teatro
via Ciro Menotti, 11 – Milano
fino a domenica 19 maggio
orari: martedì, giovedì, venerdì e sabato, ore 21.00 – mercoledì, ore 19.30 – domenica, ore 17.00.

Bennisuite
da Stefano Benni
drammaturgia e regia Emilio Russo
con Lucia Vasini, Marco Balbi, Nicola Stravalaci, Marcella Formenti
musiche Microband
luci Mario Loprevite
costumi Mariella Visalli

Sul palco ci sono tutte le persone che gli hanno voluto bene: la mamma Tonina, il papà Luigi, la sorella Manola.

Manca però il protagonista, come spesso accade nelle tragedie greche: lo spettacolo – tre ore dense di cronaca giudiziaria ed emozioni suddivise in due atti, resoconti dettagliati e dialoghi fitti – ruota attorno a lui, che compare sporadicamente attraverso video di repertorio. Mai sul palco, però.

Così Marco Martinelli (ideatore e regista del Teatro delle Albe) ha scelto di ricordare Marco Pantani, nove anni dopo la sua misteriosa scomparsa. Certa l’overdose di cocaina, ma fu suicidio o omicidio? Molto di quanto accadde in quella stanza di un degradato residence di Rimini, nella notte di San Valentino del 2004, non s’è mai saputo. Forse mai si saprà se, come sospetta l’autore, guidato nella stesura delle oltre cento pagine di copione dalla puntigliosa ricostruzione scritta del giornalista francese de L’Equipe, Philippe Brunel, la morte del “Pirata” non fu l’epilogo scontato di una storia umana avviata verso la tragedia ormai da tempo.

A spingere il ciclista romagnolo in fondo a quel tunnel furono gli altri: compagni invidiosi, dirigenti traffichini, alti burocrati sportivi minacciosi. Non andava bene che, nelle gare che contavano, non ci fosse storia da anni. E chissà quanta non ce ne sarebbe stata nel futuro. Pantani fu stroncato nel periodo più fulgido della sua carriera: prima da un suv che incrociò la sua traiettoria nel corso della Milano-Torino, poi da un controllo a Madonna di Campiglio mentre si accingeva a vincere il secondo Giro d’Italia consecutivo. «Ematocrito oltre il limite», si disse: senza considerare che il valore non era di per sé sufficiente a mettere in piedi un processo per doping.
Per questo l’idea di una morte autodeterminata non ha mai convinto nessuno.

Martinelli porta in scena questo infuso di dubbi. In prima fila la mamma Tonina: composta nel dolore e determinata nella ricerca di una verità riparatrice. Asciutta e ficcante come un coltello che rotea ancora nella ferita dovuta alla morte di un figlio. Il testo diventa incalzante con il passare dei minuti: fa riflettere, commuove, instilla il sospetto che nello sport non esista liceità.

Oltre il cuore nero della storia, c’è uno spettacolo che fa circolare aria pura.

Lo spettacolo continua:
Teatro Elfo Puccini
corso Buenos Aires, 33 – Milano
fino a mercoledì 8 maggio

Pantani
di Marco Martinelli, ideazione Marco Martinelli e Ermanna Montanari
regia Marco Martinelli
ideazione spazio scenico Alessandro Panzavolta-Orthographe
con Ermanna Montanari, Luigi Dadina, Alessandro Argnani, Roberto Magnani, Michela Marangoni, Francesco Mormino, Laura Redaelli, Simone Zanchini
incursione scenica Francesco Catacchio, Fagio
fisarmonica, composizione musiche Simone Zanchini
coproduzione Teatro delle Albe – Ravenna Teatro, le manège.mons – Scène Transfrontalière de création et de diffusion asbl (Belgio), MONS 2015

La casa è un nido, un microcosmo confortevole arredato di certezze, dove perdersi è impossibile e ogni cosa necessaria alla vita è lì, a portata di mano. La vede così Elena, appena trasferitasi in un’altra città, in una casa nuova, col suo novello sposo Paolo. Esistenze normali, le loro, fatte di ufficio e fabbrica, orride suppellettili ricevute in dono al matrimonio, fiori sul balcone, e tanto amore. Quando c’è quello, ogni cosa è al suo posto, nulla può accadere. O forse tutto, ineluttabilmente, senza scampo. Il sogno di una famiglia numerosa, di un percorso di crescita e cambiamento – non troppo audace, il cambiamento, né repentino, diciamo a piccole, minime dosi – all’interno delle mura domestiche e del nucleo amorevole che si va costruendo e rinforzando, protetti.
Ma la vita è un giardino senza recinto, e ci si può – ci si deve – aspettare che estranei facciano il loro ingresso, e animali liberi lo attraversino senza tanti complimenti, mandando in malora aiuole fiorite e sollevando intere zolle di prato. Paolo ha un approccio disinvolto a queste eventualità, e una giovialità che lo porta a relazionarsi naturalmente, e felicemente, con l’esterno; Elena invece mostra da subito un carattere problematico e diffidente, che le crea un disagio nel contatto con gli altri. Nel corso del dramma, in un climax implacabile sollecitato dagli eventi che si susseguono – minimi e feroci – con ritmo incalzante, le difficoltà di Elena sono destinate  a crescere senza misura né limiti, fino a tracimare. Fino ad annullare il senso stesso del termine “protezione” proprio nella ricerca forsennata della sua realizzazione.
Rose di maggio è una storia semplice, fatta di cose semplici, le piccole cose che ognuno persegue nella propria piccola esistenza, e di cui anche la follia, inevitabilmente, fa parte. Il testo è straordinariamente convincente proprio perché allineato con questa semplicità. L’arte talvolta non ha bisogno di grossa inventiva, le basta attingere alla realtà per avere a disposizione un campionario di scenari e deliri pronti per l’uso. Fa questo Giancarlo Moretti, scrive della vita vera, di ciò che inevitabilmente conosce, e predispone una regia intelligente e misurata che porta gli attori in scena a offrire una recitazione straordinariamente credibile: Chiara Ricci, volto noto del piccolo schermo, regala una prova attoriale stupefacente e buca la quarta parete lasciando lo spettatore rapito, coinvolto e sconvolto. Marcello Mancusi le corrisponde perfettamente, con la sua naturalezza assoluta, quasi che recitare e vivere siano due facce della stessa sottile membrana esistenziale. Il resto del cast fa da ottimo contorno, riproducendo le situazioni del quotidiano con bella nonchalance. A chiudere il cerchio come fosse un bracciale di valore, gli inserti musicali, potenti e prorompenti, frutto di un rimaneggiamento di Moretti su estratti degli Archive (il regista e autore di Rose di maggio, che è anche attore, si espone qui nella sua formazione primaria di musicologo, che lo portò a collaborare con la Rai e l’Accademia di Santa Cecilia prima di accostarsi al teatro).
Un’occasione da non perdere, dunque, come mai alcun istante della vita va perduto, per quanto piccolo, semplice, folle possa sembrare.

Lo spettacolo continua:
Teatro dell’Orologio
via de’ Filippini 17/a – Roma
fino a domenica 19 maggio
orari: da martedì a sabato ore 21.15, domenica ore 17.45
(durata 1 ora e un quarto circa senza intervallo)

Rose di maggio
di Giancarlo Moretti
regia Giancarlo Moretti
con Chiara Ricci, Marcello Mancusi, Assia Favillo, Francesco Castaldi, Laura Petroni, Paolo Franzini, Antonio Atte
foto di scena Benedetta Rescigno
film maker Giuseppe Bucci
musiche Archive (rivisitate  da Giancarlo Moretti)
regia luci Giancarlo Moretti

Che la burocrazia teatrale nel panorama italiano contemporaneo sia in una condizione pietosa è ben assodato. A tutti i livelli si cerca di colmare la sonora assenza governativa (ricordate “ei fu” l’ETI?) e simultaneamente di arginare l’impeto della crisi. A Roma, dove è prevista la chiusura dello sfortunato Ambra Jovinelli senza che nessuno batta ciglio, proseguono le occupazioni e le autogestioni di spazi altrimenti destinati a sale bingo. Teatro di Roma si impegna in una serie di encomiabili progetti di sensibilizzazione (Atelier, Perdutamente e Ratto d’Europa), veri e propri laboratori didattici della percezione, rivolti all’educazione degli spettatori nel modo più efficace possibile, ossia con l’esperienza sul palco. Il gruppo Danny Rose di 40 professionisti ha scelto la via agra dell’autofinanziamento per assicurarsi un minimo spazio di libertà nel quale poter sviluppare il proprio talento senza subire ingerenze di alcun tipo. Sono solo alcuni esempi di “resistenza”, ma al di fuori del sistema di circuito la situazione è ancora più drammatica. La scena indipendente accusa colpi e contraccolpi, a destra e a sinistra. Rassegne di grande interesse come Teatri di Vetro ridimensionano la programmazione, mentre di altre, come il LET – Liberi Esperimenti Teatrali, non si hanno notizie e si teme il peggio. I megafoni in filodiffusione mandano a ripetizione segnali di allarme, perché diventa sempre più difficile andare avanti. L’alternativa, quando si è privi di un interlocutore reale dietro i burattini di palazzo davvero poco teatrali, è fare gruppo, meglio se non una miniatura dell’arcinota casta, piuttosto un fronte comune da Catania a Trento. In questo senso l’iniziativa del Teatro dell’Orologio in collaborazione con il Kilowatt Festival di Sansepolcro (AR) ha un pregio rilevante. Dodici compagnie professionali indipendenti sono state selezionate tramite bando di concorso pubblico per presentare ognuna una prospettiva di un allestimento possibile. Le opere potenziali, a diverse fasi di elaborazione, sono state organizzate in forma di corti teatrali e messi in scena durante tre serate gratuite. Meglio sarebbe dire nottate, visti gli orari. A valutare la bontà di questi spunti embrionali è stata appositamente selezionata una giuria popolare di 20 appassionati volontari non addetti ai lavori, “i Visionari”, preposti a decretare quale tra le compagnie intervenute meritasse il premio di 10,000€ da investire nell’allestimento dell’opera completa. Per gli altri undici, si prevede l’inserimento in cartellone nella prossima stagione dell’Orologio. Pesaro Urbino, Pisa, Milano, Palermo, Bologna, Foggia, Roma, Rimini, Prato, Bari, Catania, Messina, queste le provenienze delle dodici compagnie selezionate. Gli artisti si sono incontrati e hanno condiviso le loro visioni, i progetti, le metodologie. Hanno conosciuto i giurati, seri e partecipi, sempre invitati alla fine di ogni presentazione a intervenire con un commento in mini-dibattiti utili per riempire i vuoti dei rapidi cambi di scena e per riflettere sull’attuale condizione della cultura teatrale. La serata finale ha ospitato i progetti di cinque compagnie. Trovate più o meno efficaci, ma accomunate tutte da un elevato livello tecnico e lo svelato entusiasmo di partecipare a un’esperienza off, giovane, dinamica, sentita. Nonostante il nome assurdamente fumettistico i The Avengers mostrano una fresca sintonia, presentando The Big Bible, testo irriverente sulle leggi bibliche. Ricordano positivamente l’umorismo ebraico newyorchese, con una serie di spassosi sketch che utilizzano abilmente anche il trash nostrano. Sempre di legge, pure se stavolta in chiave sommamente filosofica, dissertano Carullo Minasi in T/Empio-Critica della Ragion Giusta, rielaborazione dell’Eutifrone di Platone. Un allestimento complesso e misurato che non stupisce sia stato selezionato per il premio Teatri del Sacro 2013. Se i Quotidiana.com presentano un abbozzo di metateatro (o mental-teatro) in divenire affidato alla mimica e all’esprit du mots (C’è vita nella mente), Battuage di Vucciria Teatro pare proprio un’opera fatta e finita, forse non proprio originalissima, ma di certo attuale, favorita da un notevole cast che ha una presa immediata sul pubblico, non solo per i tacchi a spillo e i bambolotti appesi alla gonna. Stesso effetto per Radiologia con cesto di frutta di Vico Quarto Mazzini, rivisitazione contemporanea del varietà.

Perciò, come si dice in questi casi, la parola ai giurati e quindi al pubblico che dovrà scegliere quale tra questi e i lavori precedenti (ri)vedere nella stagione prossima. Per ora gli spettatori sono venti in più agli artisti coinvolti, non è da escludere un incremento e chissà non si riesca a creare una vasta audience (sì, proprio come quelli della televisione) che finalmente si senta libera di abbracciare l’idea che andare a teatro è piacevole, divertente, stimolante e poco snob. Allora, con i numeri in tasca, contando le poltrone occupate, smetteremo di parlare di crisi e ci godremo lo spettacolo.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro dell’Orologio
via de Filippini, 17/a, Roma
sabato 4 maggio, ore 2300

Vucciria Teatro presenta
Battuage
regia Joele Anastasi
con Joele Anastasi, Enrico Sortino, Angelura Pitsaki, Rossella Celati, Alessandro Lui
aiuto regia Nicoletta Calligaris
foto Dalila Romeo
(durata 25 minuti, senza intervallo)

Carullo Minasi presenta
T/Empio-Critica della Ragion Giusta
di Carullo/Minasi
regia di Carullo/Minasi
con Giuseppe Carullo, Cristiana Minasi
aiuto regia Roberto Bitto
disegno luci Roberto Bonaventura
scene, illustrazioni, costumi Cinzia Muscolino
collaborazione Saverio Tavano, Giovanna La Maestra, Angelo Tripodo
(durata 25 minuti, senza intervallo)

Vico Quarto Mazzini presenta
Radiologia con cesto di frutta
regia Vico Quarto Mazzoni
con Michele Altamura, Nicola Borghesi, Gabriele Paolocà
assistenza Nicolò Giangaspero, Riccardo Lanzarone
(durata 25 minuti, senza intervallo)

The Avengers presentano
The Big Bible
di e con Giulia Aiazzi, Riccardo Goretti, Ciro Masella, Pasquale Scalzi
con la consulenza di Tommaso Chimenti
(durata 25 minuti, senza intervallo)

Quotidiana.com con il sostegno di Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini
In collaborazione con Comune di Poggio Berni presentano
C’è vita nella mente
di Quotidiana.com
con Roberto Scappin, Paola Vannoni
scrittura Paola Vannoni
progetto luci Roberto Pozzi
costumi Sartoria Righi
(durata 25 minuti, senza intervallo)

I 12 spettacoli saranno presentati nella rassegna
Ne(x)twork 2013 - novembre-dicembre 2013 – presso il Teatro dell’Orologio di Roma

Prodotto da ArsLab e da Napolimusic, T’Ammore nasce da un’idea di Luigi Caiola, che finora ha prodotto e distribuito nel mondo circa mille spettacoli e oltre quaranta progetti audio/video. Come produttore discografico ha vinto due dischi d’oro, un disco di platino e un Grammy Award Recognition e da diciassette anni collabora con il Maestro Ennio Morricone.
T’Ammore è un grande spettacolo di musica e danza che rende omaggio alla canzone classica napoletana e alle musiche tradizionali del sud Italia – tarantella, tammorriata, fronna – il tutto riproposto con sonorità contemporanee e coreografie originali del Maestro Vittorio Biagi (anche regista dell’opera), che si alternano a solari e rappresentative proiezioni. Una performance inedita che vede sulla scena ventidue artisti, tra cantanti, musicisti e ballerini, che seguendo una semplice linea narrativa, affidata a pochi momenti recitati e a vari brani cantati, pongono al centro Napoli e l’universalità della cultura partenopea.
Le musiche originali e gli arrangiamenti dei brani classici sono stati realizzati dai musicisti napoletani Gino Magurno e Renato Salvetti con strumenti della tradizione classica, i testi invece sono della cantante e autrice napoletana Annalisa Madonna.
T’Ammore fonde così la musica di vox populi a quella della tradizione napoletana, arrangiata in chiave moderna, seguendo un fil rouge che collega l’America a Napoli, attraverso due donne, una madre e una figlia che ritorna a Napoli e riscopre le sue radici e incontra il grande amore. I riferimenti del passato li ritroviamo in un contesto moderno, in cui si ripresenta il tema dell’emigrazione: abbandonare la propria terra in cerca di fortuna all’estero è purtroppo una tematica attuale, nonostante l’appartenenza alla propria terra sia fortissima.
Tra una chitarra e un mandolino, Totò, la pizza e Pulcinella, prende corpo uno spettacolo ricco di suggestioni ed emozioni che arrivano dritte al cuore colmo di sfavillanti tradizioni.
La drammaturgia e il visual concept sono curati dal parigino Claude Tissier, director of creation di numerosi spettacoli del Cirque du Soleil e del recente The House of Dancing Water, mentre i costumi sono stati realizzati da Giuseppe Tramontano nel suo laboratorio di Sorrento.
Nel corso del 2012 lo spettacolo ha attraversato la sua fase preparatoria attraverso due attività di laboratorio: al Teatro Arcimboldi di Milano e al Teatro D’Annunzio di Latina; quindi, nel giugno del 2012, è stato proseguito il lavoro di training artistico con musicisti, cantanti e ballerini presso il complesso artisti del Chiostro di San Niccolò, a Spoleto.
Nel mese di aprile lo spettacolo è stato rappresentato al teatro Sistina di Roma prima di iniziare il suo cammino internazionale, per poi tornare in Italia nell’autunno di quest’anno. T’Ammore costituisce infatti un’opportunità di testimoniare al pubblico italiano e internazionale l’inestimabile valore del patrimonio culturale napoletano, attraverso l’espressione di una musica e un ballo che, in forme diverse nel tempo, attraversa e caratterizza l’esperienza artistica e civile di una città che non ha mai smesso di creare cultura.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Sistina
via Sistina, 129 – Roma
mercoledì 17 e giovedì 18 aprile, ore 21.00
(durata 1 ora e mezza intervallo escluso)

T’Ammore – La voce di Napoli
regia Vittorio Biagi
testi Annalisa Madonna
musiche Gino Magurno, Renato Salvetti
coreografie Vittorio Biagi
costumi Giuseppe Tramontano

La crisi economica, astratta e confinata nei palazzi della politica o di qualche azienda lontana, entra con prepotenza nella casa di una normale famiglia italiana. La crisi si presenta sotto forma di cartelle esattoriali, di ripetizioni impartite e mai pagate, di chiusura dell’agenzia di viaggi, unica fonte di reddito familiare.
E siccome la serenità personale è tristemente legata al conto in banca, all’instabilità economica corrisponde la crisi esistenziale dei membri più adulti della famiglia, padre e madre. I ragazzi si cavano bene d’impiccio, maneggiando con nonchalance oggetti sconosciuti alla generazione precedente: computer, social network, flessibilità e precariato. Così saranno proprio la figlia anaffettiva e il figlio nerd a mostrare ai “grandi” la via per uscire dall’incubo.
La commedia È andata così. La vita 2.0 ha come protagonisti non i problemi portati dalla crisi, ma le soluzioni possibili, portate da Internet e illustrate dai giovani. Oltre i fanatismi e le partigianerie, l’innovazione non richiede una professione di fede, ma il riconoscimento che ormai è qui per restare e solo chi saprà adeguarsi e riuscirà a integrare il progresso nella propria vita sarà destinato a superare l’impasse. Il padre, ultra cinquantenne nostalgico di Falcão, è il personaggio fallito, capace di denigrare ma non di risollevarsi, tirato su economicamente ed emotivamente dal figlio che non stima. Il ragazzo, perso fra smartphone e delusioni d’amore, sta sfondando su YouTube con la hit Hai cliccato sul mio cuore ed è già rinominato il Moccia della canzone italiana.
La madre, meno arroccata del marito, riuscirà a ripartire colmando il digital divide e integrando le sue competenze alle nuove soluzioni.
Un primo tempo scoppiettante e originale è seguito da un secondo scontato e moralista. La figura del padre, priva di evoluzione, diventa simbolo di ottusità. L’atteggiamento fin troppo comprensivo dei ragazzi supera il verosimile, fino a giungere a un totale ribaltamento del rapporto genitori/figli e al remake della parabola del genitor prodigo.
Francesco Pannofino ed Emanuela Rossi, coppia nella pièce e nella vita, sono perfetti sul palco, in sincrono impeccabile e a loro agio con il testo e con il pubblico. Ottime le interpretazioni di Eugenia Costantini e Alessandro Marverti, fratelli complici, diversi e alle prese con turbe adolescenziali tardive.
Il linguaggio fresco e spontaneo si adatta ai personaggi e alle situazioni, esaltando l’espressività dei dialoghi. Un po’ fuori contesto i monologhi della Rossi che restituiscono una donna riflessiva e nostalgica, lontana da quella distratta e progressista delle scene corali.
Il riscatto degli smanettoni va in scena nella commedia che mette in luce i limiti e la pochezza di chi si chiude nei pregiudizi e nel qualunquismo, di chi preferisce vivere nel ricordo del passato piuttosto che affrontare le sfide del futuro, di chi si accartoccia compiaciuto in una voluptas dolendi sconfitta in partenza.

Lo spettacolo continua: 
Teatro Sala Umberto
via della Mercede, 50 – Roma
fino a domenica 19 maggio, ore 21.00
(durata 1 ora e mezza circa)

È andata così. La vita 2.0
di Giacomo Ciarrapico
regia Claudio Boccaccini
con Francesco Pannofino, Emanuela Rossi, Eugenia Costantini, Alessandro Marverti

Sono 170 anni ormai che nei teatri di tutto il mondo la vicenda di Violetta e Alfredo viene rappresentata e tramandata; per questa ragione La Traviata, assieme alle altre opere della cosiddetta Trilogia Popolare (formata assieme a Il Trovatore e a Rigoletto) è quasi un linguaggio condiviso, un mezzo che mette in comunicazione persino culture ed epoche lontane; questa immortale storia, complici i versi memorabili di Francesco Maria Piave che contribuiscono alla stesura di una serie di arie potenti e indimenticabili, è uno straordinario spaccato d’epoca dove in quel popoloso deserto che chiamavano Parigi l’amore di due giovani si trova a fronteggiare, tragicamente, l’orgoglio, le convenzioni sociali e la malattia. Questo mondo è tornato ieri a rivivere a Roma in un’occasione speciale, ovvero la chiusura del cartellone dell’anno 2012/2013 del Teatro Don Bosco. Presso il teatro di periferia che con caparbietà e grande dignità continua, anno dopo anno, a essere l’unico spazio a offrire spettacoli di opera lirica lontano dal centro storico, l’Alfa Musicorum, compagnia navigata e ospite costante del teatro, ha offerto una serata unica all’altezza delle grandi occasioni, avvalendosi dell’orchestra ottimamente diretta da Alessandro Murzi: questo commiato si è giovato di una bellissima scenografia, nella quale come spesso accade la regista Mary Ferrara ha sfruttato proiezioni di immagini e video per i fondali (bellissima l’immagine della Maya Desnuda campeggiare dietro al figura affranta e avvilita di Violetta, consapevole della sua prossima misera fine). La selezione degli interpreti è di grandissima qualità: il Baritono Murat Guney, ovvero Giorgio Germon, il sensibile padre di Alfredo che incarna tutta l’italianità del sentimento paternalistico, regala al pubblico una versione indimenticabile di Di Provenza, il mar, il suol, e il Tenore Emanuel Bassaglia è un sensibile e profondo Alfredo; ma la regina della serata non può non essere la fantastica Violetta, ovvero Fausta Ciceroni, volto noto e colonna portante della compagnia, capace di restituire tutte le sfumature del complesso personaggio; il fatto che si tratti di una storia senza tempo, quasi archetipica, è confermata dalla scelta di far recitare gli attori in abiti moderni, quasi che questa narrazione di redenzione ed espiazione tramite il sacrificio attraversi i secoli mantenendo intatto il proprio nucleo di verità; segnaliamo inoltre la bellissima prova dei ballerini al momento della danza delle zingare del secondo atto, che hanno offerto un valore aggiunto per un appuntamento di grande stile che sancisce la chiusura di una fortunata stagione, svoltasi sotto il segno di Verdi, essendo quest’anno il bicentenario della nascita del grande artista. Infatti, dopo il Requiem e l’Attila, i membri dell’Alfa Musicorum hanno salutato il proprio pubblico, con la promessa di rivedersi tra qualche mese.

Lo spettacolo è andato in scena:
Teatro Don Bosco
via Publio Valerio, 63 – Roma
venerdì 3 maggio ore 10.00, sabato 4 maggio ore 21.00

Alfa Musicorum Convivum presenta
La Traviata
di Giuseppe Verdi
regia Mary Ferrara
direzione musicale Alessandro Murzi
con Murat Guney, Fausta Ciceroni, Emanuel Bassaglia