Olga Alvarez e Leire Llano portano in scena Infern, un lavoro ispirato all’omonimo pannello del celeberrimo Trittico del Giardino delle delizie di Hieronymus Bosch, noto come El Bosco.

Italiano

Lo spettacolo viene presentato dala stessa coreografa come un «work in progress total», tuttavia quello che viene offerto al pubblico è un lavoro capace di mostrare, accanto ai propri limiti, alcune soluzioni particolarmente suggestive.

Infern è un studio che riunisce diverse partiture drammaturgiche e che solo in senso lato può essere ascritto come danza o teatro in quanto combina in maniera strutturale effetti visivi, geometrie coreografiche e ambientazione sonora.

La produzione non sembra operare una loro sintesi multidisciplinari, ma si situa su un livello protodisciplinare il cui fulcro fondamentale è lo sviluppo di momenti in cui a essere protagonista è la percezione di quella che potrebbe essere definita ecologia scenica.

All’interno di questa “intenzione” ecologica, Infern rompe con la mimesi anche quando i rimandi sembrano evidenti perché la sua proposta visiva non si fa narrazione della realtà e perché la relazione tra performer e spettatore non è funzionale all’essere una finzione tacitamente e comunemente accordata. Olga Álvarez y Jordi Cabestany, infatti, pongono la propria attenzione sul come ricomporre scenicamente la rappresentazione della catastrofe contemporanea in un allestimento la cui percezione d’insieme diviene prioritaria rispetto alla riconoscibilità delle singole forme che lo compongono.

Infern sviuppa questo “percorso postdrammatico” in una successione di microquadri dalla durata compresa tra i dieci e i venti minuti, in cui la musica oscilla da momenti tecno ad altri in cui risuona come il respiro della terra.

Il primo è forse il più suggestivo. In esso, la scena è buia, l’ambiente sonoro risuona di musica “pesante”. Improvvisamente, dal soffitto, si irradia una luce laser che illumina la parte superiore di un oggetto che permane in penombra. Le irregolarita dell’oggetto e il suo particolare materiale fanno sì che la sua “esplorazione” si trasformi la luce nella rifrazione di un punto luminoso rivolto al pubblico come un occhio che attraversa da destra verso sinistra e dall’alto in basso la platea. L’effetto è sorprendente e si conclude con la “apertura” della luce in un fascio che abbraccia circolarmente quello che si rileva essere una sorta di monolite irregolare e con l’ingresso di due performer completamente bardati con tute e maschere protettive che prelevano il monolite per portarlo fuori dalla scena.

Il secondo quadro ha, in realtà, più momenti al proprio interno e, sostanzialmente, sviluppa il tema principale della performance secondo tratti più “riconoscibili”. L’analisi del rapporto tra l’essere individuale contemporaneo e l’inferno richiamato dal panello di Bosch prende forma in una successione di step nei quali i performer, prima uno a uno, poi in piccoli gruppi, infine tutti insieme, simulano l’andirivieni in una passerelle di moda, il proprio progressivo “spogliamento” e il disvelamento della propria mostruosa maschera. Questo momento è dominato da tableaux vivants, fantasie sadomaso, ammiccamenti alla cultura pop e da una visione angosciante della solitudine a cui le invidualità postmoderna sono condannate.

La conclusione vede il ritorno del fascio di luce, ma questa volta a essere illuminato è un bambino che anticipa il buio finale con un urlo straziante e la cui interpretazione è ambivalente: si tratta del ciclo di perdizione eterna dell’Inferno? La possibilità di una ribellione e di una nuova speranza?

Citati nelle note di regie, iper sessualizzazione e tabù vengono effettivamente evocati e accostati, ma nonostante l’omogeneità dei diversi quadri, il risultato complessivo appare lontano da una coerente messa in comunicazione e dal non risultare come una semplice “soluzione” di continuità.

Dunque, al netto di un processo scenico non ancora formalmente compiuto, per come la ricerca di condivisione tra le diverse partiture dramamturgiche (visiva, performative, sonora) strizza l’occhio alla degenerazione verso l’individualismo più sfrenato, a Infern non mancano affatto gli spunti di particolare interesse e i buoni motivi per i quali attendere il suo esito definitivo.

[riduci]

Olga Álvarez y Leire Llano presentan Infern, una obra inspirada en el homónimo panel del célebre Tríptico del Jardín de las delicias de El Bosco.

El espectáculo es definido por la propia coreógrafa como un «work in progress total», pero lo que se ofrece al público es un trabajo capaz de mostrar, junto a sus límites, algunas soluciones particularmente sugestivas.

Infern es una obra que combina varias partituras dramatúrgicas y que sólo en sentido amplio puede ser calificada como danza o teatro, ya que combina de manera estructural efectos visuales, geometrías coreográficas y “ambientación” sonora.

La producción no parece realizar una síntesis multidisciplinar, sino que se dispone en un nivel proto-disciplinar, cuyo núcleo fundamental es el desarrollo de momentos en los que es protagonista la percepción de lo que podría llamarse ecología escénica.

Dentro de esta “intención” ecológica, Infern rompe con la mimesis incluso cuando las referencias parecen evidentes porque su propuesta visual no quiere ser narrativa de la realidad y porque la relación entre el artista y el espectador no es funcional al ser una ficción tácita y comúnmente acordada. Sin embargo, Olga Álvarez y Jordi Cabestany ponen su propia atención sobre cómo recomponer escénicamente la representación de la “catástrofe” contemporánea en un montaje del cual la percepción global se convierte en prioritaria con respecto a la reconocibilidad de las formas individuales que lo componen.

Infern desarrolla esta “ruta posdramática” en una sucesión de microcuadros de duración comprendida entre los diez y los veinte minutos y donde la música muda sí misma de momentos tecno a otros en los que resuena como el aliento de la tierra.

El primero parece el más sugestivo. En él, la escena es oscura, en el ambiente sonoro suena música “heavy”. De repente, a partir del techo, se irradia una luz láser que ilumina la parte superior de un objeto que permanece en penumbra. Las irregularidades del objeto y su particular material hacen transformar su “exploración” de luz en la refracción de un punto luminoso que (SE?) vuelve al público como un ojo que cruza la platea de derecha a izquierda y de arriba a abajo. El sorprendente efecto termina con la “apertura” del rayo en un haz de luz – que abraza circularmente lo que se revela como una especie de monolito irregular – y con la entrada de dos performer que llevan trajes y máscaras protectoras para sacarlo de la escena.

El segundo cuadro tiene, en realidad, varios momentos en su interior y, básicamente, desarrolla el tema principal de Infern a través rasgos más “reconocibles”. El análisis de la relación entre el ser individual contemporáneo y el infierno al que se refiere el panel de Bosco toma forma en una sucesión de step en los cuales los performer – uno a uno, en pequeños grupos y todos conjuntos – simulan el “idas y venidas” en una pasarela de moda, su propio progresivo “desnudarse” y el descubrimiento de la propia monstruosa máscara. Este momento está dominado por tableaux vivants, fantasías sado-masoquista, guiños a la cultura pop y por una visión angustiosa de la soledad y de la invidualidad postmodernas.

La conclusión ve el retorno del haz de luz, pero esta vez para iluminar un niño que anticipa la oscuridad antes del cierre final con un grito desgarrador y cuya interpretación parece ambivalente: ¿refiere al ciclo de perdición eterna del Infierno o a la posibilidad de una rebelión y de una nueva esperanza?

Citadas en las notas de dirección, hiper sexualización y tabús están evocados y acercados, pero a pesar de la homogeneidad de los distintos cuadros, el resultado global parece lejos de una adecuada coherencia y de una real puesta en comunicación, por lo tanto actualmente su desarrollo resulta come una sencilla “solución” de continuidad.

Pues, a pesar del proceso escénico aún no haya realizado una formalización estructural, por como la búsqueda de un uso compartido entre las diferentes partituras dramáticas (visual, performative, sonora) guiñan bien los ojos a la degeneración hacia el individualismo más desenfrenado, a Infern no faltan los motivos de interés y las buenas razones para esperar su resultado definitivo.

SAT! Sant Andreu Teatre
carrer de Neopàtria 54, Barcelona

Working Progress
Infern
Cia. La Taimada
dirección Olga Álvarez y Jordi Cabestany
coreografía Olga Álvarez
diseño sonoro Carlos Martorell
diseño de iluminación Joana Serra
idea del espacio escénico La Taimada
diseño y realitzación del espacio escénico Dani Pino
diseño de vestuario Xevi Fernandez
intérpretes Carlos G. Corchía, Iver Zapata, -Jay- Sergi Guzman, Junior Osas, Kharlos Villanueva, Iver Zapata, Raúl Lorenzo y David Monteagudo Alvarez
producción Pau Estrem / La Taimada
producción de La Taimada con la colaboración de Aliansat -SAT-, Terrassa Arts Escèniques, el Graner
duración 60 min

LASCIA UN COMMENTO

Per favore inserisci il tuo commento!
Per favore inserisci il tuo nome qui

Questo sito usa Akismet per ridurre lo spam. Scopri come i tuoi dati vengono elaborati.