Il teatro contemporaneo in Spagna

Rosa Sanchez è direttrice della compagnia Kònic Thtr, di cui è anche la fondatrice. La sua è la riflessione lucida e consapevole di chi, da tempo e con sguardo lungimirante, ha radicato la propria intenzione artistica ad «articolare in scena la mediazione e la traduzione analogica – digitale, reale – virtuale, corpo e rappresentazione. Segnando le linee di ricerca nello sviluppo di linguaggi drammaturgici che incorporano l’audiovisivo e i linguaggi interattivi sulla scena».

¿Con cuales objetivos nació y ha evolucionado la compañía, también en términos de colaboraciones y planificación?
Rosa Sanchez: «La compañía Kònic Thtr nació en 1985, impulsada por mi como fundadora y directora artística. Las primeras motivaciones estaban relacionadas con la investigación en nuevas dramaturgias de lo que en la época se llamó Teatro Visual y la exploración de conceptos de virtualidad, representación del yo en imagen y la alteridad, que después se materializaría en actual-virtual. También el concepto de mediador, objetos, materiales o dispositivos ópticos que permitían la traducción o transmisión de la información gestual del actor en representación o amplificación de su expresión.
Hay una segunda fase en la evolución de Kònic que se sitúa en 1990, año en que se incorpora a la compañía Alain Baumann, músico y diseñador de sistemas interactivos.
El encuentro con Alain Baumann permitió que las intuiciones de la primera etapa se comprendieran y se canalizaran hacia el desarrollo de dispositivos tecnológicos que permitieran articular en escena la mediación y traducción analógico – digital, real – virtual, cuerpo y representación.
Marcando las líneas de investigación en el desarrollo de lenguajes dramatúrgicos que incorporan el audiovisual y los lenguajes interactivos en la escena. Esta es la línea que se ha ido consolidando como lenguaje escénico propio de Kònic, y la decisión conceptual de hablar de la tecnocultura desde una reflexión crítica.
Entorno a este dúo de dirección (yo como directora de escena Intermedia, coreógrafa y tecno-performer, Alain Baumann como director tecnológico, diseñador de los sistemas interactivos y compositor de las músicas) se articulan distintas colaboraciones, configurando de manera modular equipos artísticos y técnicos según las necesidades de cada proyecto.
Destacaré la participación de las bailarinas-intérpretes, Victoria Macarte, Anna Hierro, Viktoria Kohalmi o el cantante y actor François Testori.
En la larga trayectoria de esta compañía se han producido múltiples colaboraciones artísticas internacionales que tomaron formas escénicas en diversos proyectos presentados en distintos países y espacios de exhibición. Mencionaré el encuentro artístico con Motionhouse Dance Co. (UK) en los años 2000 – 2002, con la coreógrafa Maria Muñoz, Malpelo (Cataluña) en el 2009, Ivani Santana, teórica y coreógrafa (Brasil) 2009-2011, o el coreógrafo Dominik Grumbuhel (Austria) en los años 2015-2017.
En cuanto a la Relación con el Territorio, la compañía Kònic tiene su residencia en Barcelona, desde sus inicios se ha movido con resonancias e intervención en el tejido cultural de Cataluña, contribuyendo a formar, articular, crear network, y poner al servicio de la comunidad cultural y social el expertise de sus directores.
Esta Compañía tiene también una decidida defensa de género priorizando y apoyando la participación de mujeres en sus proyectos, tratando temáticas que invitan a posicionarse sobre la perspectiva de género y feminista.
Kònic es Compañía en residencia artística en la Fábrica de Creación Fabra i Coats, un proyecto impulsado por el Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona.
Desde una perspectiva sociocultural, Kònic se ha sabido insertar en el entramado cultural de la ciudad, el territorio del entorno y desde él proyectarse internacionalmente.
Por otro lado, los desarrollos tecnológicos de Kònic están vinculados con centros académicos y de investigación locales e internacionales».

Italiano

Con quali obiettivi e come si è evoluto il festival dalla sua nascita, anche in termini di collaborazioni e progettualità (selezione delle compagnie, rapporto con il territorio, ecc)?
Rosa Sanchez: «La compagnia Kònic Thtr è nata nel 1985, su mia iniziativa come fondatrice e direttrice artistica. Le prime motivazioni erano legate alla ricerca in nuove drammaturgie di quello che all’epoca si chiamava Teatro Visivo e l’esplorazione di concetti di virtualità, rappresentazione dell’io in immagine e l’alterità, che poi si materializzerebbe in attuale-virtuale. Anche il concetto di mediatore, di oggetti, di materiali o di dispositivi ottici che consentivano la traduzione o la trasmissione dell’informazione gestuale dell’attore in rappresentazione o amplificazione della sua espressione.
C’è una seconda fase nell’evoluzione di Kònic che si colloca nel 1990, anno in cui entra a far parte della compagnia Alain Baumann, musicista e progettista di sistemi interattivi.
L’incontro con Alain Baumann ha permesso che le intuizioni della prima fase fossero comprese e incanalate verso lo sviluppo di dispositivi tecnologici che permettessero di articolare in scena la mediazione e la traduzione analogica – digitale, reale – virtuale, corpo e rappresentazione.
Segnando le linee di ricerca nello sviluppo di linguaggi drammaturgici che incorporano l’audiovisivo e i linguaggi interattivi sulla scena. Questa è la linea che si è andata consolidando come linguaggio scenico proprio di Kònic, e la decisione concettuale di parlare della tecnocultura da una prospettiva critica.
Intorno a questo duo di regia (io come direttrice di scena Intermedia, coreografa e tecno-performer, Alain Baumann come direttore tecnologico, progettista dei sistemi interattivi e compositore delle musiche) si sono articolate diverse collaborazioni, configurando in modo modulare gruppi artistici e tecnici a seconda delle esigenze di ogni progetto.
Sottolineerò la partecipazione delle ballerine-interpreti, Victoria Macarte, Anna Hierro, Viktoria Kohalmi o il cantante e attore François Testori.
Nel lungo percorso di questa compagnia sono state prodotte diverse collaborazioni artistiche internazionali che hanno assunto forme sceniche in diversi progetti presentati in diversi paesi e spazi di esibizione. Citerò l’incontro artistico con Motionhouse Dance Co. (UK) negli anni 2000 – 2002, con la coreografa Maria Muñoz, Malpelo (Catalogna) nel 2009, Ivani Santana, teorica e coreografa (Brasile) 2009-2011, o il coreografo Dominik Grumbuhel (Austria) negli anni 2015-2017.
Per quanto riguarda la relazione con il Territorio, la compagnia Kònic ha la sua residenza a Barcellona, sin dai suoi inizi si è mossa con risonanze e interventi nel tessuto culturale della Catalogna, contribuendo a formare, articolare, creare network, e mettere al servizio della comunità culturale e sociale le competenze dei suoi direttori.
Questa Compagnia promuove anche una decisa difesa di genere, dando priorità e appoggio alla partecipazione delle donne ai propri progetti, trattando temi che invitano a prendere posizione sulla prospettiva di genere e femminista.
Kònic è Compagnia in residenza artistica nella Fábrica de Creación Fabra i Coats, un progetto promosso dall’Istituto di Cultura del Municipio di Barcellona.
Da una prospettiva socioculturale, Kònic si è saputa inserire nel tessuto culturale della città, nel territorio circostante e da esso proiettarsi internazionalmente.
D’altro canto, gli sviluppi tecnologici di Kònic sono legati a istituti accademici e di ricerca locali e internazionali».

[riduci]

¿Cuán importante es la inversión en los nuevos lenguajes de la escena, en las dramaturgias contemporáneas y en general en las compañías de investigación?
RS: «Desde mi experiencia puedo decir que no existe inversión en líneas de investigación orientadas a nuevas dramaturgias Intermedia.
Puedo mencionar a modo de ejemplo, la línea de investigación en lenguajes escénicos teledistribuidos que Kònic , en solitario, está desarrollando desde el 2009, una investigación que se interesa en la articulación de experiencias escénicas creadas a tiempo real y simultáneamente en distintos lugares, países distantes y que se produce para público que accede a las obras online, desde Internet, al mismo tiempo que puede asistir público a la misma obra de manera presencial en todos o cada uno de los lugares-nodos-teatros donde se produce la obra. Lo que llamamos escena teledistribuida.
Hoy con esta crisis y emergencia sanitaria empieza a comprenderse la necesidad de estos formatos pero no se sabe como se ha de hacer porque no se ha investigado, pocos tenemos la experiencia y por ello veo importante que se sepa que podemos aportar mucho.
Pero esa experiencia es fruto de una apuesta personal, realizada con escaso apoyo económico español, Kònic ha buscado el soporte de centros de investigación internacionales para poder avanzar, consciente de la necesidad de incorporar avances tecnológicos y nuevos formatos y lenguajes a la escena contemporánea.
Una lucha por avanzar, muy solitaria, poco comprendida, entre otras cosas por el desconocimiento y la falta de riesgo de los agentes culturales, y el temor de los espacios de exhibición de incorporar nuevos formatos, el temor de nos ser comprendidos por sus públicos.
Hoy, habrá que hacerlo…habrá que incorporar y hacer convivir formatos no asumidos hasta hace solo unos meses».

Italiano

Quanto è importante l’investimento sui nuovi linguaggi della scena, sulle drammaturgie contemporanee e in generale sulle compagnie di ricerca?
RS: «Dalla mia esperienza posso dire che non ci sono investimenti nelle linee di ricerca orientate verso le nuove drammaturgie Intermedia.
A titolo di esempio, posso citare la linea di ricerca sui linguaggi scenici teledistribuiti che Kònic, da sola, sta sviluppando dal 2009, una ricerca che si interessa all’articolazione di esperienze sceniche create in tempo reale e contemporaneamente in diversi luoghi, paesi distanti e che sono prodotte per un pubblico che accede alle opere online, da Internet, nello stesso momento in cui altro pubblico può partecipare alla stessa opera in modo presenziale in tutti o in ciascuno dei luoghi-nodi-teatri dove si svolge l’opera. Quella che chiamiamo scena teledistribuita.
Oggi, con questa crisi e questa emergenza sanitaria, si comincia a comprendere la necessità di questi formati, ma non si sa come si debba fare perché non sono stati studiati, pochi hanno l’esperienza e per questo ritengo importante che si sappia che possiamo dare molto.
Ma questa esperienza è frutto di una scommessa personale, realizzata con scarso sostegno economico spagnolo, Kònic ha cercato il supporto di centri di ricerca internazionali per poter fare progressi, consapevole della necessità di incorporare progressi tecnologici e nuovi formati e linguaggi nella scena contemporanea.
Una lotta per andare avanti, molto solitaria, poco compresa, tra l’altro a causa della disinformazione e la mancanza di rischio degli agenti culturali, e per la paura degli spazi espositivi di incorporare nuovi formati, la paura di essere compresi dai loro pubblici.
Oggi, bisognerà farlo, bisognerà incorporare e far convivere formati non sostenuti fino a pochi mesi fa».

[riduci]

Siempre hay una gran confusión al definir el teatro contemporáneo: en su opinión, ¿qué lo caracteriza también en su relación con el clásico? ¿Cuál podría ser su contribución para repensar la sociedad a través del arte y proponerse como lugar de experimentación social y elaboración política?
RS: «Es difícil definir el teatro contemporáneo ya que este término engloba la evolución de las manifestaciones escénicas a lo largo del siglo XX y XXI. Destacaría en estas últimas décadas una característica quizás diferenciadora, la multidisciplinariedad, el uso de múltiples medios y formas de arte que se muestran simultáneamente durante la representación y que se recogen también en los textos dramáticos.
Para mí es el arte vivo, hoy en día se recurre al multilenguaje para realizar una experiencia viva, pero en el teatro nunca está todo dicho, es el renacer continuo, como decía Tadeusz Kantor el actor muere y renace en escena en cada representación, según la época se utiliza un medio comunicacional u otro para conectar con el público, que es parte implícita del hecho teatral.
Pero con las nuevas tecnologías el concepto de vivo (liveness) no está necesariamente vinculado con presencial, si hablamos, por ejemplo del teatro teledistribuido, u online…hemos de entender que el actor genera la acción en vivo y la transmite a través de aparatus específicos sin perder de vista que su acción ha de llegar viva al público…
Como transmitir la emoción a través de máquinas, de flujos de datos ? Como encontrarse con otro actor que está a miles de km y crear juntos, hacer música, bailar junto y que el público comparta y sienta ese momento y sienta que eso es lo que es actual hoy, lo vivo hoy. En lo cotidiano, el público ya esta acostumbrado a esta noción de presencia en la distancia, sin embargo en el teatro cuesta todavía recoger este concepto».

Italiano

C’è sempre una gran confusione nel provare a definire il teatro contemporaneo: secondo lei cosa lo caratterizza, qual è il suo rapporto con il classico? Quale potrebbe essere il suo contributo nel cercare di ripensare la società attraverso l’arte e di proporsi quale luogo di sperimentazione sociale ed elaborazione politica?
RS: «È difficile definire il teatro contemporaneo poiché questo termine comprende l’evoluzione delle manifestazioni sceniche nel corso del XX e XXI secolo. Vorrei sottolineare in questi ultimi decenni una caratteristica forse di differenziazione, la multidisciplinarità, l’uso di molteplici mezzi e forme d’arte che sono mostrati simultaneamente durante la rappresentazione e che sono ripresi anche nei testi drammatici.
Per me è l’arte viva, oggi si ricorre al multilinguaggio per realizzare un’esperienza viva, ma nel teatro non c’è mai tutto detto, è il continuo rinascere, come diceva Tadeusz Kantor l’attore muore e rinasce in scena in ogni rappresentazione, a seconda dell’epoca si utilizza un mezzo di comunicazione o un altro per connettersi con il pubblico, che è parte implicita del fatto teatrale.
Ma con le nuove tecnologie il concetto di dal vivo (liveness) non è necessariamente legato alla presenza, se parliamo, ad esempio, del teatro teledistribuito, o online… dobbiamo capire che l’attore genera l’azione dal vivo e la trasmette attraverso apparati specifici senza perdere di vista che la sua azione deve arrivare viva al pubblico.
Come trasmettere emozioni attraverso macchine, flussi di dati? Come incontrare un altro attore che sta a migliaia di chilometri di distanza e creare insieme, fare musica, ballare insieme e come fare affinché il pubblico condivida e senta quel momento e senta che è ciò che è attuale oggi, ciò che vivo oggi. Nel quotidiano, il pubblico è già abituato a questa nozione di presenza in lontananza, tuttavia nel teatro è difficile ancora cogliere questo concetto».

[riduci]

La emergencia médica ha obligado a cerrar la programación y cerrar las actividades. ¿Cuáles han sido las consecuencias y cómo os estáis coordinando – a nivel organizativo y económico – con los artistas, instituciones y socios con los que tenéis colaboraciones y acuerdos en curso?
RS: «Las consecuencias de esta emergencia son lesiones múltiples, estamos en estado de shock como personas, como artistas, como colectivo cultural al que pertenecemos y como sociedad.
Es muy duro psicológicamente y económicamente cuando vemos nuestra previsión de agenda de todo el año en suspenso, nosotros trabajamos internacionalmente y vemos como se replica la misma situación en todos los países…de repente nuestra agenda de todo el año no existe.
Para Kònic es doblemente duro, ya que una franja importante temporal de nuestra actividad anual es la investigación, y los procesos de investigación no están monetizados, no hay indemnizaciones previstas para cubrir la suspensión de nuestra actividad.
Aún así, estamos luchando con todo el colectivo Cultura para lograr que se nos escuche, el sector Cultura es muy amplio y genera mucho trabajo. Se le ha de escuchar y apoyar. Una emergencia tan grave no puede prescindir de un sector que contribuye a la innovación de la sociedad, a su regeneración humana.
Cómo ha reaccionado Kònic en frente de esta enorme crisis y tragedia humana mundial?
Desde nuestro lado hemos puesto al servicio de la comunidad artística internacional nuestros conocimientos, nuestras herramientas, las infraestructuras de las que disponemos desde nuestra casa.
Hemos creado el Proyecto BRUMA /NET #DISIPALABRUMA_DESDETUCASA.
Es un proyecto que hemos producido nosotros, sin financiación, solo por solidaridad y por lucha por nuestra propia supervivencia y la del sector.
Defendemos que la cultura hoy es un motor de la vida, y también puede contribuir a sanar en momentos de crisis.
BRUMA / NET es una serie de performances a través de Internet.
Un espacio que abrimos desde Kònic en convocatoria internacional para que cualquiera desde su confinamiento pueda participar a un evento que se transmitirá en directo.
Cada semana, por convocatoria internacional llamamos a una acción colectiva de ‘sanamiento virtual y creativo’.
Un encuentro de artistas que desde sus casas en todo el mundo actúan juntos para crear colaborativamente un vídeo-poema de danza, voz, música y acción, que se transmitirá en directo por streaming.
Cualquiera puede participar en esta performance, y el público desde cualquier lugar del mundo puede conectarse y verla en directo desde sus casas.
Conceptualmente llamamos a que el Confinamiento no nos aísle!
Y las Redes nos abran espacios sociales y creativos que traspasen fronteras, miedos y soledades.
Este proyecto está teniendo una importante resonancia internacional, el balance es para nosotros muy estimulante, desde el 14 de marzo hemos realizado ya 8 videoperformances, con la participación de 23 artistas internacionales de 10 países (España, Francia, Alemania, Italia, EU, Argentina, Bolivia, Brasil, Chile y México) con muy buena recepción del público de las obras en streaming».

Italiano

L’emergenza sanitaria Covid-19 vi ha costretto, come molti altri, a chiudere la programmazione e concludere le attività. Quali sono state le conseguenze con artisti, istituzioni e partner coinvolti? Come vi state coordinando – a livello organizzativo ed economico – con teatri, fondazioni, compagnie ed enti con cui avevate collaborazioni e accordi in corso?
RS: «Le conseguenze di questa emergenza sono lesioni multiple, siamo in stato di shock come persone, come artisti, come comunità culturale al quale apparteniamo e come società.
È molto difficile psicologicamente ed economicamente quando vediamo la nostra agenda annuale in sospeso, noi lavoriamo a livello internazionale e vediamo come si stia riproducendo la stessa situazione in tutti i paesi, improvvisamente la nostra agenda annuale non esiste.
Per Kònic è doppiamente difficile, poiché una parte importante del nostro lavoro annuale è la ricerca, e i processi di ricerca non sono monetizzati, non sono previsti indennizzi a copertura della sospensione della nostra attività.
Tuttavia, stiamo lottando con tutto il settore culturale per farci ascoltare: il settore della Cultura è molto ampio e genera molto lavoro. Deve essere ascoltato e sostenuto. Un’emergenza così grave non può prescindere da un settore che contribuisce all’innovazione della società, alla sua rigenerazione umana.
Come Kònic ha reagito di fronte a questa enorme crisi e tragedia umana globale?
Da parte nostra abbiamo messo al servizio della comunità artistica internazionale le nostre conoscenze, i nostri strumenti, le infrastrutture di cui disponiamo, direttamente da casa nostra.
Abbiamo creato il Progetto BRUMA/NET #DISIPALABRUMA_DESDETUCASA (dissipa la nebbia da casa tua, NdT).
È un progetto che abbiamo prodotto noi, senza finanziamenti, solo per solidarietà e per lottare per la nostra stessa sopravvivenza e per quella del settore.
Sosteniamo che la cultura oggi è un motore della vita, e può anche contribuire a guarire nei momenti di crisi.
BRUMA / NET è una serie di performances via Internet.
Uno spazio aperto da Kònic a livello internazionale in modo che chiunque dal proprio confinamento possa partecipare a un evento che sarà trasmesso in diretta.
Ogni settimana, per invito internazionale, chiamiamo un’azione collettiva di “guarigione virtuale e creativa”.
Un incontro di artisti che dalle proprie case in tutto il mondo agiscono insieme per creare in maniera collaborativa un video-poema di danza, voce, musica e azione, che sarà trasmesso in diretta in streaming.
Chiunque può partecipare a questa performance, e il pubblico da qualsiasi parte del mondo può collegarsi e guardarla in diretta da casa propria.
Teoricamente chiediamo che il confinamento non ci isoli!
E le reti ci aprono spazi sociali e creativi che attraversano confini, paure e solitudine.
Questo progetto sta avendo un’importante risonanza internazionale, il bilancio è per noi molto stimolante, dal 14 marzo abbiamo già realizzato 8 videoperformances, con la partecipazione di 23 artisti internazionali di 10 paesi (Spagna, Francia, Germania, Italia, EU, Argentina, Bolivia, Brasile, Cile e Messico ) con un’ottima ricezione del pubblico delle opere in streaming».

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Una de las consecuencias más impactante e inédita será la de identificar nuevas formas de relación individual en tiempos de distanciamiento social. El mundo del teatro, incluidos sus trabajadores técnicos, corre el riesgo de ser arrasado por la completa inactividad, pero también las expectativas para el público cambiarán: ¿Cómo cree que la poética teatral (entendida tanto como dirección artística y que como creatividad) deberá afrontar esta situación? Por ejemplo, ¿deberá que recuperar el tiempo perdido y volver a lo que siempre se hecho, en la forma como generalmente lo ha hecho, o será necesario calibrar programaciones y producciones de manera específica, por ejemplo favoreciendo el entretenimiento o la experimentación?
RS: «Entiendo que habrá que modificar los formatos presenciales, y con el distanciamiento paradójicamente volver a formatos más intimistas, menos multitudinarios y por ello menos orientados a la monetización, al rendimiento económico, priorizado con frecuencia por encima de la calidad de autor.
Aunque haya muchos futuros abiertos, nuestra apuesta es la de caminar ágilmente hacia la alfabetización digital, la tecno escena. Creo que las instituciones públicas y privadas tendrán que entender y valorar la experimentación y la investigación.
Inversiones en nuevas infraestructuras tecnológicas, formación en nuevos expertise, nuevas especializaciones.
Tendrán que convivir los formatos escénicos presenciales con los formatos escénicos a los que se accede online.
En esto haré referencia a proyectos que nosotros venimos haciendo desde hace más de 10 años y que se han considerado vanguardistas, que no podían entrar en la agenda de los teatros.
Menciono aquí, a modo de ejemplos, el proyecto EVD58 (2013), una obra teledistribuida realizada simultáneamente entre Salvador de Bahia, Ciudad de México y Barcelona, accesible online y con público presencial en las salas de los 3 países.
O bien Near in the Distance (2017), que realizamos conjuntamente entre Barcelona, Linz, Roma, Hailuoto, Mombai y Praga para ser visto online y en sala, con un aforo de público presencial de 250 personas en Linz (Austria).
Hoy creo que se abre un espacio para que estos formatos sean incluidos en las agendas de las salas de exhibición y los agentes culturales apuesten por las ofertas de artes en vivo online sin miedo a la experimentación y la búsqueda de la renovación desde la proximidad con la distancia justa».

Italiano

Una delle conseguenze più impattanti e inedite sarà quella di individuare nuove forme di relazione individuale in tempi di distanziamento sociale. Il mondo del teatro, comprese le sue maestranze tecniche, rischia di essere raso al suolo da messi di completa inattività e cambieranno anche le aspettative nei confronti del pubblico. Come pensa che la poetica teatrale (intesa sia come direzione artistica, sia come creatività) debba confrontarsi con questa situazione? Per esempio, si cercherà di recuperare il tempo perduto e tornare al quello che si è sempre fatto, come lo si è sempre fatto o sarà necessario calibrare programmazioni e produzioni in maniera specifica, per esempio favorendo l’intrattenimento o la sperimentazione?
RS: «Capisco che bisognerà modificare i formati presenziali, e con il distacco paradossalmente tornare a formati più intimisti, meno affollati e quindi meno orientati alla monetizzazione, al rendimento economico, reso prioritario rispetto all’autore.
Anche se ci sono molti futuri aperti, la nostra scommessa è quella di camminare speditamente verso l’alfabetizzazione digitale, la tecno-scena. Credo che le istituzioni pubbliche e private debbano comprendere e valutare la sperimentazione e la ricerca.
Investimenti in nuove infrastrutture tecnologiche, formazione a nuovi esperti, nuove specializzazioni.
Dovranno convivere i formati scenici presenti con i formati scenici a cui si accede online.
In questo farò riferimento a progetti che noi abbiamo fatto per più di 10 anni e che sono stati considerati all’avanguardia, che non potevano entrare nell’agenda dei teatri.
Cito qui, a titolo esemplificativo, il progetto EVD58 (2013), un’opera teledistribuita realizzata simultaneamente tra Salvador de Bahia, Città del Messico e Barcellona, accessibile online e con pubblico presente nelle sale dei 3 paesi.
Oppure Near in the Distance (2017), che realizzammo insieme tra Barcellona, Linz, Roma, Hailuoto, Mombai e Praga per essere visto online e in sala, con un pubblico presenziale di 250 persone a Linz (Austria).
Oggi penso che si apre uno spazio affinché questi formati siano inclusi nelle agende delle sale espositive e gli agenti culturali scommettano sulle offerte di arti dal vivo online senza paura di sperimentazione e di ricerca di rinnovamento dalla vicinanza con la distanza giusta».

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